Diretto da Sara Driver, 1981 (Stati Uniti)
Con Suzanne Fletcher, Melody Schneider, Bea Boyle

Un leggendario capolavoro perduto e poi ritrovato del cinema underground americano: il primo film di Sara Driver è stato riscoperto nel 2008 e da allora è considerato una delle opere più significative del movimento No Wave. Basato su un racconto di Paul Bowles, YOU ARE NOT I assume la forma di una trance in stato di fuga mentre segue il viaggio di una donna (Suzanne Fletcher) fuggita da un manicomio, il cui stato mentale frammentato si riflette nella stessa forma del film.

You Are Not I è tratto da un racconto breve del 1948 di Paul Bowles, scritto poco dopo il suo trasferimento a Tangeri. Quando Sara Driver entrò per la prima volta in contatto con il racconto nel 1979, rimase, a suo dire, “sconvolta e sbalordita”. Decisa a preservare quell’impatto iniziale, affrontò l’adattamento non come un’interpretazione, ma come un’eco fedele all’esperienza della lettura: “Volevo essere come il lettore… mantenere tutto molto fedele a quel primo momento”. Sviluppò il film come parte del suo lavoro di laurea alla School of the Arts della NYU con un budget di 12.000 dollari, scrivendo una sceneggiatura di 12 pagine e girando in 16mm nel New Jersey rurale, vicino al luogo in cui era cresciuta. Il progetto fu realizzato in collaborazione con una cerchia di amici che sarebbero poi diventati figure chiave del cinema indipendente, tra cui Jim Jarmusch come direttore della fotografia, Tom DiCillo come assistente operatore e Nan Goldin come fotografa di scena.

Nonostante l’acclamazione della critica – Cahiers du Cinéma lo inserì tra i migliori film del decennio – il percorso del film fu bruscamente interrotto quando il negativo originale venne distrutto in un incendio in un magazzino. La storia del film ricomincia nel 2008 quando Francis Poole, studioso dell’archivio di Bowles, si recò a Tangeri e scoprì una piccola scatola contenente una bobina del film, che riportò negli Stati Uniti, rendendosi conto solo un anno dopo di aver recuperato una copia che la stessa Driver aveva inviato a Bowles decenni prima e poi dimenticato. Il film fu successivamente presentato al New York Film Festival, dove la stessa Driver reintrodusse You Are Not I al pubblico, chiudendo il cerchio della sua lunga storia perduta.

Vini d’Oro, Palermo
23 aprile
ore 19:00

La proiezione sarà preceduta da una lettura collettiva curata da Clara Schulmann e Nuova Orfeo, che esplora il gotico femminile, ispirata alla prossima pubblicazione di Schulmann – Moursures. Leggeremo testi di Anne Carson, Shulamith Firestone e Mina Harker. Per partecipare scrivere a: nuovaorfeo@gmail.com. I posti sono limitati.

Sara Driver (1956, USA) è una regista indipendente che ha fatto parte della scena creativa di New York dalla fine degli anni ’70 fino agli anni ’90. Con una laurea in Teatro e Lingue Classiche e un Master in Belle Arti presso l’Università di New York, dove ha insegnato regia, Driver si è affermata nel mondo del cinema quando ha prodotto due film di Jim Jarmusch, Permanent Vacation (1980) e Stranger Than Paradise (1984), nei quali ha anche recitato. Nel 1981 ha diretto il suo primo film, You Are Not I, basato su un racconto breve di Paul Bowles, che è stato considerato uno dei migliori film degli anni ’80 dai Cahiers du Cinéma. Ha diretto altri due lungometraggi, Sleepwalk (1986) e When Pigs Fly (1993), presentati e premiati in diversi festival cinematografici.

Clara Schulmann è una scrittrice e critica d’arte contemporanea con base a Parigi, il cui lavoro attraversa arte contemporanea, cinema e teoria. La sua scrittura nasce da incontri, scambi e collaborazioni con artisti. Ha insegnato teoria dell’arte in diverse università, tra cui Beaux-Arts di Parigi. Films d’artistes, Histoires de l’art è stato pubblicato nel 2014 da Les Presses du réel. La sua ultima pubblicazione è Zizanies (Paraguay Press, 2020), un racconto in prima persona dedicato alle voci femminili.

DIRECT ACTION di Guillaume Cailleau e Ben Russell

212 minuti, V.O. con sottotitoli in Italiano. Alla presenza dei registi.

Cinema Rouge et Noir
18.30–22.30

Biglietti 4€

Con un'introduzione di Bianca Bozzeda

Nuova Orfeo è lieta di portare a Palermo DIRECT ACTION, vincitore del Miglior Film alla Berlinale Encounters 2024 e del Grand Prix al Cinéma du Réel 2024, co-diretto da Guillaume Cailleau e Ben Russell, entrambi presenti in sala. DIRECT ACTION è il ritratto di una comunità di attivisti militanti nota come ZAD, acronimo di Zone à Défendre (Zona da Difendere), che si è costituita a partire dal 2008 per bloccare la costruzione dell’aeroporto di Notre-Dame-des-Landes (FR). Girato nell’arco di due anni, il film si compone di quarantuno lunghi piani sequenza che ci portano dentro a un esperimento di vita collettiva e di resistenza alle grandi opere.

Ben Russell è un regista, artista e curatore statunitense attualmente in residenza a Villa Medici, Roma. Il suo lavoro sfida le convenzioni della rappresentazione nel genere documentario, per dare vita a esperienze intense, ipnotiche e allucinatorie. I suoi interessi vanno dal cinema sperimentale a una forma di etnografia speculativa che lui stesso definisce “etnografia psichedelica”.

Guillaume Cailleau vive e lavora come artista a Berlino e il suo lavoro si colloca tra installazione, performance e sound art. Cailleau osserva i luoghi in cui si producono fratture politiche e sociali: un laboratorio di sperimentazione animale, uno stabilimento per la stampa di banconote o una fabbrica di uniformi militari. Attraverso diverse tecniche mediali, elabora il materiale fino all’astrazione.

Intervista a Ben Russell su il manifesto.

L’evento è realizzato con il supporto di Goethe-Institut Palermo.

Un programma curato e introdotto da Elena Gorfinkel con film di Cecilia Mangini, Gunvor Nelson, Utako Koguchi e Tania Dinis

Domenica mattina! Cinema Rouge et Noir ore 11.00

Grandma’s Grammar è un programma incentrato sulla figura della nonna, di cui esplora la presenza nelle pratiche cinematografiche, sia storiche sia contemporanee, come soggetto capace di generare forme narrative alternative. La nonna ricorre frequentemente nel cinema documentario femminista, anche quando resta sullo sfondo o ai margini dell’inquadratura. Inteso in senso ampio come uno spazio fertile per immaginare nuove configurazioni politiche radicate nei saperi delle storie familiari e nelle soggettività intergenerazionali, il cinema non-fiction femminista ha spesso assunto la nonna come figura ancestrale e fonte di storicità, ma anche come dispositivo di percezione e incarnazione vivente della continuità.

Maria e i giorni
Cecilia Mangini / 1960 / Italia / 10’ / Digitale / Italiano

Maria e i giorni è un omaggio di Cecilia Mangini alla donna che considerava la propria madrina, Maria di Capriati. Contadina non sposata, madre di numerosi figli nati fuori dal matrimonio, Maria continua a lavorare la terra e a dirigere i braccianti in una masseria della Puglia rurale. La sua figura incarna sia il rifiuto dell’inutilità nella vecchiaia, “Sono ancora qui, sono ancora utile”, sia le fatiche, le stanchezze e i rituali popolari di una provincia lontana dall’impeto della modernizzazione e fuori dalla portata del “miracolo economico”. Fedele alla forza carismatica della presenza di Maria e alla concretezza delle sue giornate e abitudini, Mangini restituisce il ritratto di una figura materna potente, segnata da un’alterità irriducibile e ruvida.

Red Shift
Gunvor Nelson / 1984 / Svezia / 50’ / 16mm / Inglese, Svedese

Oscillando tra il lontano e il vicino, ‘Red Shift’ è un film fatto di dettagli, gesti e interni domestici che raffigurano dinamiche intergenerazionali in continuo mutamento. Nelson, la figlia Oona e la nonna di Oona, Carin Grundel, interpretano scene di vita familiare, mentre due attrici creano scene di un ‘passato’ della relazione madre-figlia. Le figure sono legate da un alternarsi di primissimi piani e campi lunghi: mani che afferrano, pelle segnata dal tempo, argenti lucidati, scorci dalle finestre, frammenti di tempo e memoria, rituali e abitudini. Tra proverbi enigmatici e scambi di battute, si sente Edith Kramer leggere estratti dalle lettere che Calamity Jane scrisse alla fine dell’Ottocento alla figlia da cui si era separata.

The Sleeping Flower
Utako Koguchi / 1991 / Giappone / 7’ / 16mm / Giapponese / Sottotitoli italiano

The Sleeping Flower è un film quasi sospeso che intreccia una conversazione tra Koguchi e sua nonna su pasti e abitudini quotidiane e la messa in scena fantasmagorica di un rito funebre allo stesso tempo giocoso e inquietante. ‘’Chiudi gli occhi nonna. Chiudi gli occhi per favore’’, chiede Koguchi. Fiori di carta bianca cadono dall’alto, ricoprendo la nonna di una etera coperta, come racchiusa in un bozzolo leggero. «Sto morendo?… Mi chiedo solo perché vivo così a lungo». Il volto della nonna si schiude dal sonno, mentre gli occhi tornano lentamente ad aprirsi.

Não São Favas, São Feijocas
Tania Dinis / 2013 / Portogallo / 10’ / Digitale / Portoghese

In questo breve ritratto in Super 8mm, Tania Dinis osserva la nonna mentre si dedica all’orto, semina, raccoglie, da da mangiare alle galline e ai conigli. Le immagini sono animate dalla voce di Esmeralda de Jesus, che reagisce alla propria immagine filmata, in dialogo con Dinis. La nonna ribatte con ironia oscillando tra conferma, quando dice che le bruciature sono “medaglie da cuoca”, e dissenso: “ma che razza di idea è questa?”. Vedendosi attraverso gli occhi della nipote, in quello scontro tra sé e immagine di sé, Esmeralda afferma la propria centralità con arguzia pungente, ma anche con serenità.

Grandma’s Grammar è stato originariamente curato da Elena Gorfinkel in occasione dell’Open City Documentary Film Festival di Londra, nell’Aprile 2024.

Il testo “Cinema of the Grandmother,” è stato pubblicato in E. Balsom and H. Peleg eds. Feminist Worldmaking and the Moving Image. MIT Press, 2022.

Elena Gorfinkel è una studiosa e critica cinematografica con base a Londra. È autrice e curatrice di cinque libri, tra cui i più recenti Wanda (Bloomsbury/BFI Film Classics, 2025) e The Prop, con John David Rhodes (Fordham, 2025). La sua ricerca si concentra sui cinema marginali e indipendenti, inclusi il cinema per adulti, sperimentale e underground, in particolare dagli anni Sessanta a oggi. È Reader (professoressa associata senior) in Film Studies al King’s College London. Prima di arrivare al King’s, è stata Associate Professor di Storia dell’Arte e Film Studies presso la University of Wisconsin-Milwaukee. Ha conseguito un dottorato di ricerca in Cinema Studies presso la New York University.

Un programma di film dall'archivio di Marinella Pirelli co-curato da Nuova Orfeo e Lucia Aspesi

Marinella Pirelli (1925–2009, Verona) è una figura cruciale dell’arte italiana del dopoguerra, che ha lasciato un corpus di opere unico, che comprende pittura, disegno, immagini in movimento, ambienti luminosi e cinema sperimentale. Pirelli era direttamente coinvolta nella politica del suo tempo, in particolare nei gruppi femministi, ed ebbe un rapporto particolarmente stretto con la teorica femminista Carla Lonzi e con gli artisti Carla Accardi, Jannis Kounellis, Luciano Fabro e Bruno Munari. Formatasi come pittrice, Pirelli approccia il cinema negli anni ’50, esplorando nuove modalità di rappresentazione della luce tramite l’uso della macchina da presa. I suoi film evocativi si basano sull’equilibrio tra colori e forme astratte che provengono tanto da una meditazione sui fenomeni luminosi quanto da una rifrazione della luce, alternandosi a una riflessione intima sull’essere donna e artista. Come molte cineaste e artiste sperimentali di quegli anni, Marinella Pirelli ha iniziato come amatrice, per emancipare la propria personale visione di artista e per promuovere l’interesse verso le nuove tecnologie. Queste esplorazioni in 16mm sono state chiuse in uno scantinato per oltre quarant’anni ed esposte solo di recente.

Le proiezioni saranno seguite da una conversazione tra le curatrici Lucia Aspesi e Giulia Colletti.

Lucia Aspesi collabora strettamente da oltre un decennio con l’Archivio Marinella Pirelli e ne ha co-curato una retrospettiva insieme a Iolanda Ratti al Museo del Novecento a Milano nel 2019 dal titolo “Luce Movimento. Il cinema sperimentale di Marinella Pirelli”. Aspesi è attualmente curatrice presso Pirelli HangarBicocca, dove ha co-curato le mostre di Trisha Baga, Dineo Seshee Bopape, Chiara Camoni, Sheela Gowda, Thao Nguyen Phan, Daniel Steegmann Mangrané e Nari Ward. Recentemente ha curato la mostra di Tarek Atoui e la retrospettiva di Nan Goldin. Nei suoi progetti indipendenti, ha presentato la personale di Ben Rivers alla Triennale di Milano (2017) e ha co-curato la retrospettiva su Marinella Pirelli al Museo del Novecento (2019). Dal 2020 insegna studi curatoriali alla NABA - Nuova Accademia di Belle Arti. Ha contribuito a numerose pubblicazioni e cataloghi e tiene regolarmente conferenze sulla relazione tra curatela e immagini in movimento.

Giulia Colletti è curatrice e storica dell'arte. È stata curatrice dei contenuti digitali e consulente alle attività collaterali presso il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea dal 2019 al 2025. Dal 2018 al 2021 è stata membro del board curatoriale della 19ª Biennale des Jeunes Créateurs d’Europe et de la Méditerranée. Nel 2019 è stata Visiting Lecturer presso The Glasgow School of Art. Ha tenuto conferenze presso numerose istituzioni e università tra cui la Kingston University di Londra; la Columbia University (CAMS) di New York; La Sapienza di Roma; lo IUAV di Venezia; la NABA di Milano. Ad ABADIR è docente di Storia dell’Arte Moderna e Contemporanea nei corsi di Laurea Triennale e di Curatela e Mediterraneo nel Master di I Livello Mater Matuta. I suoi testi sono apparsi, tra gli altri, su CURA, Flash Art, OnCurating.

Programma:

Narciso, film esperienza (10’, 1966-67)

Bruciare (4’, 1971)

Appropriazione, a propria azione, azione propria – Sole in mano (6’, 1973)

Lago, Soggettivo-Oggettivo (14’, 1965)

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Ore 19.00, Ai vini d'oro, P.za Francesco Nascè, 11, Palermo

Ingresso gratuito

Nuova Orfeo è stata invitata a presentare il progetto e curare una proiezione da Rupert, centro per l'arte contemporanea a Vilnius, Lituania, in occasione dell’inaugurazione del loro nuovo spazio.

Per l’occasione, Nuova Orfeo si presenterà insieme ai film Errore di gruppo (1973) di Karma Film –Patrizia Vicinelli, e We Had the Experience but Missed the Meaning (2014) di Laida Lertxundi: due opere appartenenti a diversi filoni della programmazione di Nuova Orfeo, provenienti da contesti e tempi differenti, ma unite da una poetica della voce e dell’immagine che mette in discussione la narrazione e apre uno spazio a nuove forme di esperienza e significato.

Errore di Gruppo (1973), prodotto da Karma Film, un collettivo fondato da Elio Rumma, Mario Gianni e Patrizia Vicinelli, segue la poetessa Patrizia Vicinelli durante una processione per le strade di Lourdes, intrecciando immagini private. Le parole sono della stessa Vicinelli, tratte dalle sue esplorazioni poetiche di quegli anni. Questo lavoro è stato presentato a Palermo lo scorso novembre nell’ambito di In Viaggio con Patrizia, un evento dedicato a Vicinelli e co-curato da Lisa Andreani all’interno del suo progetto ALBERTO GRIFI: CORPO COLLETTIVO. L’evento si è inserito all'interno della rassegna Italo-feminisms, che rilegge figure femminili del cinema d’avanguardia italiano degli anni ’70, reinserendo materiali d'archivio in un discorso contemporaneo attraverso conversazioni, letture e pubblicazioni.

In We Had the Experience but Missed the Meaning, tra Los Angeles e San Diego, California, un momento di un racconto di Bioy Casares mostra un uomo che preferisce guidare piuttosto che fare l’amore con Veronica. Attraversando deserto e mare, schermo e pagina, si oltrepassa ciò che non può essere detto, ma solo mostrato. Laida Lertxundi è un’artista e regista spagnola con base a Parigi, la cui pratica — che lei stessa definisce Landscape Plus — esplora i parallelismi tra paesaggio e corpo attraverso gesti collaborativi e improvvisati e una decostruzione delle gerarchie tradizionali del cinema.

Una serata con Ana Vaz in collaborazione con Institut Français, Palermo

Terrazza dell'Institut Français
Cantieri Culturali alla Zisa
20.00 - 23.00

Programma

É Noite na América (It is Night in America), 2022, 66'

Ana Vaz descrive il suo film É Noite na América come un racconto eco-horror, liberamente ispirato a Una cosmopolitica degli animali della filosofa brasiliana Juliana Fausto. Filmato a Brasilia, città la cui costruzione ha giustificato violenti ricollocamenti di specie selvatiche e popolazioni indigene, l’ecocritica postcoloniale di É Noite na América fa da eco a una riflessione poetica sulla visione cinematografica: dalla creazione artificiale dell’oscurità tramite la tecnica Day-for-Night - usata per simulare scene notturne girate di giorno - all’utilizzo di pellicola 16mm scaduta, questo racconto immersivo lancia un incantesimo animale tra eco-horror, film sull’ambiente e documentario, sovvertendo i limiti dei generi cinematografici.

Apiyemiyekî, 2019, 27'

Apiyemiyekî, è un cortometraggio che indaga il processo di scavo della memoria collettiva, affrontando i fantasmi del colonialismo attraverso un archivio di oltre 3000 disegni realizzati durante un progetto di alfabetizzazione con il popolo Waimiri-Atroari, nativo dell’Amazzonia brasiliana. I disegni, inizialmente nati come scambio di conoscenze su flora e fauna locali, si trasformano in una rappresentazione della violenza coloniale, diventando una testimonianza grafica del trauma. Vaz li anima cinematograficamente, sovrapponendoli al paesaggio amazzonico, contrapponendo la naturalezza del fiume alla brutalità della strada coloniale, interrogando l'archivio: Apiyemiyekî? significa “Perché?”.

Ana Vaz (1986, Brasile) è un’artista e regista originaria del Midwest brasiliano, abitato dai fantasmi sepolti sotto la sua capitale modernista: Brasília. La sua filmografia mette in discussione e provoca il cinema, inteso come arte dell'(in)visibile e come strumento capace di disumanizzare l’umano, aprendo connessioni con forme di vita altre, non umane o spettrali. Come naturale estensione della sua pratica cinematografica, la sua attività artistica si manifesta anche attraverso la scrittura, la pedagogia critica, le installazioni e le camminate collettive.

I suoi film sono stati presentati in numerosi festival e musei internazionali, tra cui il Locarno Film Festival, Berlinale Forum Expanded, New York Film Festival, CPH:DOX, TIFF Wavelengths, Cinéma du Réel, Tate Modern e Palais de Tokyo, tra molti altri. Recentemente ha avuto mostre personali alla Secession in Vienna, al Jeu de Paume, al Batalha Centro de Cinema Praça da Batalha di Porto e a LUX, Londra. Ha inoltre partecipato a numerose mostre collettive di rilievo, tra cui Penumbra, presso la Fondazione In Between Art and Film. Nel 2025 è artista in residenza presso Villa Medici, Roma.

Le proiezioni saranno seguite da un Q & A con Alessandro Gallicchio.

Alessandro Gallicchio (1986, Italia) è docente di storia dell’arte contemporanea presso l’Université Paris-Sorbonne. I suoi interessi di ricerca si concentrano sull’influenza del nazionalismo e dell’antisemitismo nella costruzione del discorso artistico, nonché sul rapporto tra arte, architettura e spazio urbano nei Balcani e nel Mediterraneo. Nel 2021 ha ricevuto la borsa André Chastel da Villa Medici per un progetto di ricerca intitolato Il Padiglione albanese alla Prima Mostra Triennale delle Terre d’Oltremare di Napoli (1940). Tracce di un dispositivo fascista di “colonialità”. È anche lui fellow di Villa Medici a Roma per l’anno 2025.

I film sono in lingua originale sottotitolati in Italiano.

L'evento è gratuito

We had the experience but missed the meaning. Una serata con Laida Lertxundi in collaborazione con Instituto Cervantes, Palermo.

Cinema Rouge et Noir
18:30 - 21:00

Unendo rigore concettuale e piacere sensoriale in un approccio che lei stessa definisce Landscape Plus, Laida Lertxundi realizza film che instaurano un dialogo tra il paesaggio e il corpo, entrambi intesi come luoghi di esperienza e di piacere. La sua pratica si fonda su una dimensione fortemente collaborativa, con l’obiettivo di decostruire le gerarchie tradizionali del cinema attraverso un libero scambio dei ruoli — sia davanti che dietro la macchina da presa — e l’inclusione di gesti improvvisati, spontanei e collettivi in diversi contesti naturali. Lertxundi esplora il paesaggio non solo come tema iconografico della storia dell’arte, ma anche come insieme di codici culturali, caratteristiche geografiche e relazioni umane, che vanno dai deserti della California alle montagne austere del Paese Basco, sua terra natale.

Le proiezioni saranno seguite da un Q & A tra Laida Lertxundi e Gonzalo De Pedro Amatria

Laida Lertxundi è un’artista che vive e lavora a Parigi. Il suo lavoro è stato esposto in importanti istituzioni e manifestazioni internazionali, tra cui High Line Art, New York (2023), Whitney Biennial, New York (2012), Hammer Museum (2026), Biennale de Lione (2013), Frieze Projects New York (2014), così come in musei e gallerie come il MoMA di New York (2022, 2017), Tate Modern di Londra (2016), Whitechapel Gallery, Londra (2015), ARKO Art Center, Seoul (2022), ICA, Londra (2013), Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia (2015), CCCB, Barcellona (2013, 2017, 2021, 2022), PS1 MoMA (2013) e Kunstverein Hamburg (2014). I suoi film sono stati presentati in numerosi festival internazionali, tra cui il Locarno Film Festival, il New York Film Festival, l’International Film Festival Rotterdam, il London Film Festival, il BFI, il TIFF di Toronto, Gijón, San Sebastián ed Edimburgo, tra gli altri. Lertxundi ha conseguito un MFA presso il California Institute of the Arts e un BFA presso il Bard College. Attualmente è docente presso l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon.

Gonzalo de Pedro Amatria (Pamplona, 1978) è un programmatore cinematografico e docente universitario. È stato professore associato presso l’Università Carlos III di Madrid e ha pubblicato saggi su registi come Hong Sangsoo, Ross McElwee, Jem Cohen e Werner Herzog. La sua esperienza nella programmazione include il ruolo di coordinatore della programmazione del Festival Punto de Vista di Pamplona fino al 2014, oltre alla curatela di rassegne per festival e istituzioni artistiche come la Film Society of Lincoln Center, FIDMarseille e il Museo Reina Sofía, tra gli altri. È stato membro del comitato di selezione del Locarno Film Festival dal 2014 al 2018, e curatore associato per la Filmoteca Española e il Festival Internazionale del Cinema di Valdivia. Dal 2018 al 2021 ha ricoperto il ruolo di direttore artistico della Cineteca Madrid (Matadero Madrid).

Programma

We Had the Experience but Missed the Meaning, 2014, 8 min, 16mm
Autoficción, 2020, 14min, 35mm
Inner outer space, 2021, 16min, 35mm,
In a Nearby Field, 16min, 35mm, color, sound, 2023

Biglietti €4, studenti gratis

The Blind Owl. (1992, 84' – USA) Scritto e diretto da Reza Abdoh. Prodotto da Adam Soch. Con Peter Jacobs, Tom Pearl, Tony Torn, Juliana Francis, Tom Fitzpatrick, Paulina Sahagun-Macias.

Cinema Rouge et Noir

18.30-20.30

Introduzione di Krist Gruijthuijsen e Adam Soch

L'artista teatrale poliedrico Iraniano-Americano Reza Abdoh, auto-definitosi membro della ‘TV Generation’, ha incorporato al suo lavoro diversi riferimenti da video musicali, spettacoli di varietà, film, danza, testi classici e BDSM con un perfetto equilibrio tra poesia e rigore. L’immagine in movimento gioca un ruolo essenziale nella produzione interdisciplinare a larga scala dell’artista iniziata a metà degli anni Ottanta. Negli ultimi anni della sua carriera si è dedicato anche al cinema; il suo secondo lungometraggio è rimasto incompleto a causa della sua morte nel 1995 in seguito a complicazioni legate all’AIDS.

Girato in parallelo alla sua intensa e massimalista produzione teatrale Bogeyman (che includeva molti degli stessi attori del film), l’unico lungometraggio di Reza Abdoh dimostra una visione estetica distinta dal suo lavoro sul palco. Il film del 1959 di Robert Bresson, Pickpocket, è una delle influenze principali di The Blind Owl, tanto per la sua cinematografia radicalmente lenta e il trattamento distaccato della trama quanto per i temi di ossessione, trasgressione ed erotismo. La trama segue liberamente un gruppo di personaggi le cui attività—tra cui quelle di badante, becchino e prostituta—esistono all’interno di un miscuglio disorientante di malattia, compagnia, abuso, famiglia, morte e sesso. I fili narrativi intrecciati costruiscono uno studio poetico, seppur ambiguo, in cui la ricerca di identità e desiderio coesiste con la stagnazione e la mortalità. Sebbene il film contrasti con lo stile teatrale di Abdoh, la musica rimane un indicatore del suo ritmo (e l’uso di canzoni in lingua spagnola riflette anche l’ambiente di Los Angeles). The Blind Owl si inserisce in una tradizione di cinema indipendente radicata nella cultura delle performance degli anni ’80 ed è esemplificativo del passaggio dal film analogico al video. Auspicio e unico nel corpo di lavoro di Abdoh, il film indica con emozione una filmografia riuscita che avrebbe potuto essere (Moma).

Krist Gruijthuijsen è stato direttore del KW Institute for Contemporary Art dal 2016 al 2023, dove ha curato una grande retrospettiva del lavoro di Reza Abdoh's in collaborazione con Bidoun Magazine.

Adam Soch è stato il produttore principale di Reza Abdoh. Soch ha collaborato con Abdoh e organizzato proiezioni per diverse produzioni, tra cui The Hip-Hop Waltz of Eurydice, Bogeyman, The Law of Remains, Tight Right White e Quotations from a Ruined City.

Si ringrazia Negar Azimi e Bidoun.

Una serata di cinema e poesia che ruota intorno all'opera di Patrizia Vicinelli, con letture di Allison Grimaldi Donahue, Tiziana La Melia and Murmur

A cura di Nuova Orfeo e Lisa Andreani

Patrizia Vicinelli è stata una poetessa prolifica e una figura chiave dell'avanguardia italiana. La sua produzione poetica - dalla poesia sonora e concreta ai poemi epici - è stata in gran parte pubblicata su riviste e in forma di multipli ed edizioni. Ha collaborato con numerosi artisti e scrittori della neoavanguardia, da Emilio Villa e Aldo Braibanti al Gruppo 63, e ha lavorato a stretto contatto con figure centrali del cinema sperimentale italiano, sia davanti che dietro la macchina da presa, realizzando film in 16 mm con Alberto Grifi, Gianni Castagnoli e Mario Gianni.

L'evento esplora la produzione cinematografica della Vicinelli - in particolare attraverso il suo rapporto con Alberto Grifi - in conversazione con la nuova generazione di poetesse italiane: Allison Grimaldi Donahue, (Bologna / U.S.A.) Tiziana La Melia (Palermo / Vancouver) e Murmur (Catania / Milano). Il programma prevede la proiezione di 'In viaggio con Patrizia' (1965) di Alberto Grifi, un diario d'amore composto da lunghe pause scritto con e per Patrizia (la sua compagna per tutti gli anni Sessanta) e 'Errore di gruppo' (1973) di Karma Film (Mario Gianni, Elio Rumma, Patrizia Vicinelli) che vede la Vicinelli nel ruolo di protagonista che vaga misteriosamente per la città di Lourdes, insieme a letture e performance di Grimaldi Donahue, La Melia e Murmur.

Il progetto è realizzato in collaborazione con l'Associazione Culturale Alberto Grifi e sostenuto da “Lazio Contemporaneo 2022” promosso dalla Regione.

Una serata in collaborazione con Claire Fontaine e Jun Kebab, dedicata alle vittime del genocidio perpetuato dal governo Israeliano. Con rinfresco a cura di Jun Kebab, Al Quds, Studio Terra e vini Planeta.

La proiezione sarà seguita da una conversazione tra il regista Kamal Aljafari, Beatrice Gibson e Claire Fontaine.

Studio Claire Fontaine - 17:00 fino a tardi.

Tutti i proventi della proiezione saranno destinati a Medicalaid Palestine e Lebanese Red Cross.

Saranno disponibili copie in vinile dell'album AID for Gaza di Hardcore Unlimted Records (Torino) e copie appena stampate di The Gaza Reader Vol 1. Poetry a cura di Artists Against Apartheid, Bidoun, WAWOG e Kamel Lazaar Foundation.

Si ringrazia profondamente Rosalind Nashishibi, Kamal Aljafari, Federico Chiari, Diego Marcon, Negar Azimi, Tiffany Malakooti.

Proiezioni
Dahiet Al Bareed, District of the Post Office (2002, 7')
Hreash House (2004, 20')
Gaza elettrica (2015, 17')
di Rosalind Nashishibi

Dahiet Al Bareed, District of the Post Office (2002, 7’), Hreash House (2004, 20') e Electrical Gaza (2015, 17') sono tre film realizzati negli ultimi vent'anni dall’artista britannico-palestinese Rosalind Nashishibi.

Dahiet Al Bareed, District of the Post Office si svolge in un sobborgo di Gaza costruito originariamente per l’Ufficio Postale Palestinese ma finito per diventare terra di nessuno tra Ramallah e Gerusalemme Est. Una partita di calcio, della spazzatura che brucia e consuete attività del barbiere – Sweet Love Saloon for Men – convivono davanti allo sguardo della telecamera. L’adhan, la chiamata alla preghiera, risuona in un paesaggio di degrado e decadenza.

Il secondo film Hreash House è stato girato all’interno di una casa di Nazareth, e ritrae una giornata nella vita di una numerosa famiglia palestinese che prepara un banchetto per il Ramadan.

Electrical Gaza è stato girato nei mesi precedenti all’operazione Israeliana 'Protective Edge’ che ha bombardato la striscia di Gaza tra Luglio e Agosto 2014. Gaza viene raffigurata come un luogo mitologico: isolata, sospesa nel tempo, difficile da accedere e avvolta da un’intensità palpabile. Ne emerge un’immagine della vita a Gaza, in cui una comunità continua ad operare nonostante le avversità inimmaginabili.

A Fidai Film (2024, 78')
di Kamal Aljafari

Composto da frammenti d'archivio, A Fidai Film ricostruisce la memoria visiva della Palestina, recuperando le immagini saccheggiate dal Palestine Research Centre di Beirut nel 1982. Durante l'invasione del Libano da parte di Israele nel 1982, le Forze di Difesa Israeliane saccheggiarono l'archivio del Centro di Ricerca Palestinese, portando con sé migliaia di documenti. Questi includevano immagini fisse e in movimento, che costituivano parte integrante della memoria visiva della Palestina. Il materiale rubato è stato poi utilizzato da Israele per creare una narrazione volta a rafforzare l'occupazione. Come apertamente indicato dal titolo (Fidai si riferisce alla figura del combattente per la libertà), A FIDAI FILM è un atto di resistenza che si riappropria di quelle immagini nel tentativo di rianimare la storia della Palestina che sta scomparendo. Attraverso il riutilizzo di immagini di archivio in un nuovo contesto, Aljafari amplifica la nostra percezione sulla storia dell’occupazione attraverso l’elemento temporale: il materiale girato decenni prima assomiglia tristemente alle immagini quotidiane contemporanee trasmesse da Gaza. Riportando le immagini al loro significato originale e togliendo le parole, Aljafari rivela l'intimidatorio lavoro di propaganda che va di pari passo con l'occupazione militare.

Il regista sarà presente in sala.

Rosalind Nashashibi è una regista e pittrice britannico-palestinese. Ha studiato pittura alla Sheffield Hallam University prima di completare un Master of Fine Art alla Glasgow School of Art nel 2000. Vive e lavora a Londra. Il suo lavoro in immagini in movimento, realizzato con pellicole da 16 mm, esplora le risposte inconsce e interiori a momenti ed eventi, spesso affrontando la politica che circonda le relazioni comunitarie e le nozioni di famiglia allargata. Nel 2017, Nashashibi è stata selezionata per il Turner Prize. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui “Documenta 14” (2017), “Sharjah 'Biennial 10” (2011), “Manifesta 7” (2008) e ha rappresentato la Scozia alla Biennale di Venezia del 2007. Nashishibi è stata la prima donna a vincere il premio Beck's Futures nel 2003. Tra le mostre personali più recenti si ricordano quelle alla Secessione di Vienna, all'Art Institute di Chicago e al Witte de With Center for Contemporary Art di Rotterdam.

Kamal Aljafari è un regista palestinese. Ha insegnato regia alla New School di New York e alla Deutsche Film und Fernsehakademie di Berlino. I suoi contributi al settore sono stati riconosciuti con borse di studio presso il Film Study Center - Radcliffe Institute dell'Università di Harvard e, più recentemente, presso l'Institute for Ideas and Imagination della Columbia University, Parigi 2024-2025. Nel maggio 2024, IndieLisboa ha dedicato una retrospettiva al suo lavoro. Nel 2022 è stato ospite d'onore del Sicilia Queer filmfest, a Palermo. Il suo film A Fidai Film ha vinto il Gran Premio della Giuria a Visions du Réel 2024 e attualmente viene presentato in festival di tutto il mondo, tra cui TIFF, London Film Festival e Viennale. Attualmente sta sviluppando un film di finzione che sarà girato a Jaffa.

Toute une Nuit (1982) + La Chambre (1972)

Introduzione di Lucia Aspesi

Cinema Rouge et Noir

18:30

A dieci anni di distanza, questi due film affrontano l'intimità attraverso una lente cinematografica. La Chambre, 12 minuti, offre l'osservazione di una stanza attraverso ripetute panoramiche a 360 gradi che si soffermano infine su una donna a letto; è la stessa regista, mentre mangia distrattamente una mela. Toute une Nuit (90 minuti) offre una serie di frammenti intensi che riguardano il tremore, l'amore e la tensione sessuale. Nel corso di una calda notte estiva tempestosa, uomini, donne, bambini, travolti dal loro desiderio e pronti a tutto, si lasciano trasportare, fino al punto di vertigine, dall'eccesso dei loro sentimenti.

Chantal Akerman è nata a Bruxelles il 6 giugno 1950. All'età di 15 anni, scopre per caso Pierrot le Fou di Jean-Luc Godard, che la ispira a intraprendere la carriera cinematografica. Nel 1967 entra alla scuola di cinema di Bruxelles (INSAS), ma lascia subito, rifiutando il quadro rigido della scuola. L'anno seguente realizza il suo primo cortometraggio, Saute ma ville, prima espressione di un cinema libero e radicale. Akerman si trasferisce a New York nei primi anni '70, dove scopre il cinema sperimentale di Jonas Mekas e Michael Snow, che hanno avuto una profonda influenza sui film realizzati a New York (La Chambre, Hotel Monterey). Al suo ritorno in Belgio, dirige Je, tu, il, elle e poi raccoglie i fondi necessari per produrre Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles. Questo film sulla vita quotidiana di una casalinga, un'opera fondamentale del cinema femminista, presentato alla Quinzaine di Cannes nel 1975, le ha portato il riconoscimento internazionale e rimane un esperimento cinematografico di grande importanza nella storia del cinema, studiato e ammirato per decenni. La filmografia completa di Akerman conta circa quaranta film ed è acclamata in tutto il mondo. Akerman è considerata una delle più importanti e influenti registe europee della sua generazione, grazie al trattamento visionario delle immagini, del tempo e dello spazio, e alle molteplici riflessioni che attraversano i suoi film: sull'identità, l'appartenenza, la memoria, il femminismo, il genere e la sessualità.

Lucia Aspesi è curatrice presso Pirelli HangarBicocca, Milano, con un particolare interesse nel film e nel moving image nel campo dell'arte contemporanea. Ha co-curato la mostra personale di Trisha Baga all'Hangar Bicocca nel 2020 e nel 2017 ha presentato la prima mostra personale in Italia di Ben Rivers alla Triennale di Milano. Nel 2019 ha co-curato la grande retrospettiva su Marinella Pirelli al Museo del Novecento, Milano (2019).

Ringraziamo Celine Brouwez e la Fondation Chantal Akerman.

Questi film sono solo in francese, tuttavia sono in gran parte silenziosi.

Biglietti €4, gratis per studenti.

Nuova Orfeo è entusiasta di presentare una serata con Laure Prouvost al Cinema Rouge et Noir, l’8 Maggio alle 18:00.

Laure Prouvost è nata a Lille, in Francia (1978) e vive a Bruxelles. Ha ottenuto un BFA dallaCentral St Martins di Londra nel 2002 e un MFA dal Goldsmiths College di Londra. Prouvost ha vinto il MaxMara Art Prize for Women nel 2011 ed il Turner Prize nel 2013. Nel 2019 ha rappresentato la Francia alla Biennale di Venezia.

Leggi di più sull’artista qui.

Conosciuta per le sue installazioni immersive e multimediali che combinano film e installazione in modo umoristico ed allo stesso tempo idiosincratico, il lavoro di Prouvost affronta i problemi di comunicazione e di confusione mentale nell’atto della traduzione fra lingue diverse. È infatti il linguaggio, nel suo senso più ampio, che permea il lavoro video, sonoro, installativo e performativo di Laure Prouvost. Utilizzando il linguaggio come strumento per l'immaginazione, Prouvost confonde la narrazione lineare, le aspettative verbali e le associazioni tra parola, immagine e significato, provocando simultaneamente nello spettatore incomprensione, dubbio e meraviglia, sia intellettuale che sensoriale. Combinando memorie personali esistenti ed immaginate, con riferimenti artistici e letterari, l’artista crea complesse installazioni video che offuscano la distinzione tra finzione e realtà.

Programma:

- "You are the only one", Regno Unito, (2008)

- "Monologue", Regno Unito, (2009)

- "It heat hit", Regno Unito, (2010)

- "Wantee", Regno Unito, (2013)

- "We will go far", Regno Unito, (2015)

- "They Parlaient Ideale", Francia / Italia (2019)

La proiezione sarà seguita da una sessione di domande e risposte in inglese con Stella Sideli e Beatrice Gibson, parte di Nuova Orfeo.

Dove umanamente possibile, questi film sono stati tradotti in italiano!

Biglietti €4

Proiezione seguita da una conversazione tra Nuova Orfeo e i curatori in residenza della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino.

Cinema Rouge et Noir
18:00

Sadie Benning ha iniziato a realizzare video sperimentali all'età di 15 anni, dopo aver ricevuto come regalo di Natale dal padre, il cineasta James Benning, una videocamera giocattolo Fisher-Price PXL 2000. Benning è diventat* rapidamente un* pionier* del genere sperimentale, riconoscendone la stranezza e il potenziale psicodrammatico. Realizzati per lo più nella privacy della camera da letto dell'artista, i video offrono una finestra sul mondo adolescenziale di Benning, narrando la scoperta della sessualità e la difficile esperienza di crescere come lesbica in una società violenta, ostile e oppressiva. Utilizzando testi scarabocchiati e scritti a mano tratti da diari, per registrare pensieri, sentimenti e immagini, i lavori video di Benning rivelano i desideri e le complessità di un'identità in sviluppo, in un bianco e nero granuloso e pixelato. Giocosamente seducenti e dolorosamente onesti, la telecamera fluttuante e ravvicinata di Benning funge da testimone delle sue rivelazioni intime e agisce come complice nel definire la loro forma evocativa e sperimentale. Il lavoro di Benning si mostra metà innocente e metà adulto - con tutta l'onestà, l'umorismo e la disperazione di una persona che sta appena entrando nella consapevolezza di sé, intrappolata e inquieta.

Evento in collaborazione con e col supporto di Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino.

Sadie Benning Videoworks: Volume 1

Un Nuovo Anno (1989)

In versione "diario adolescenziale", Benning colloca i propri sentimenti di confusione e depressione accanto a racconti macabri tratti dai titoli dei tabloid e eventi brutali nel suo quartiere. La difficoltà di trovare una propria identità positiva in un mondo pieno di violenza è messa in luce in modo netto dalla voce giovanile ma già disperata di Benning.

Vivere Dentro (1989)

Quando aveva 16 anni, Benning ha smesso di andare a scuola per tre settimane,chiudendosi in casa con telecamera, il set TV e un mucchio di bucato sporco. Questo nastro riflette la psiche di Benning durante quel periodo. Con l'immagine che si interrompe tra un'edizione e l'altra, la qualità grezza di questo nastro precoce cattura il senso di isolamento e tristezza di Benning, il suo ritiro dal mondo. Di conseguenza, Vivere Dentro è la confessione di un eterno emarginato.

Io e Rubyfruit (1990)

Basato su un romanzo di Rita Mae Brown, Io e Rubyfruit narra l'incantesimo dell'amore lesbico adolescenziale su uno sfondo di immagini pornografiche e annunci di sesso telefonico. Benning ritrae l'innocenza del romanticismo femminile e la prospettiva tabù del matrimonio tra donne.

Se Ogni Ragazza Avesse Un Diario (1990)

Puntando la telecamera pixelvision su se stess* e sulla sua stanza, Benning cerca un senso di identità e rispetto come donna e come lesbica. Agendo alternativamente come confessore e accusatore, la telecamera cattura la rabbia e la frustrazione di Benning nel sentirsi intrappolat* dai pregiudizi sociali.

Gioie (1990)

Benning offre una cronologia dei suoi colpi di fulmine e baci, tracciando lo sviluppo della sua sessualità. Rivolgendosi alla telecamera con un'aria di seduzione e romanticismo, lo spettatore comprende l'ansia e il piacere nel realizzare la propria identità lesbica.

Sadie Benning Videoworks: Volume 2

Un Posto Chiamato Lovely (1991)

"Nicky ha sette anni. I suoi genitori sono più vecchi e più cattivi." Un Posto Chiamato Lovely fa riferimento ai tipi di violenza che gli individui incontrano nella vita. Dalle vere e proprie aggressioni, incidenti e omicidi, alla violenza più insidiosa delle bugie, aspettative sociali e fede tradita. Benning raccoglie immagini di questa violenza socialmente diffusa da una varietà di fonti, tracciando eventi sin dall'infanzia: film, tabloid, giochi per bambini (come il mumbledy-peg), esperienze personali e di altri. In tutto ciò, Benning usa piccoli giocattoli come oggetti di scena, maneggiandoli e controllandoli nel modo in cui noi, a nostra volta, siamo controllati da forze violente più grandi.

Non Era Amore (1992)

Benning illustra un incontro pieno di desiderio con una "cattiva ragazza", attraverso il posizionamento di genere e l'interazione di generi degli stereotipi di Hollywood: posando per la telecamera come il ribelle, la bionda platino, il gangster, il crooner degli anni '50 e la vamp dagli occhi semi-chiusi. Pose con sigaretta, balli lenti romantici e riprese veloci di strade heavy metal spingono lo spettatore attraverso la storia dell'avventura amorosa. Il video di Benning va oltre la fantasia romantica, descrivendo altre sfaccettature dell'attrazione fisica tra cui paura, violenza, desiderio, colpa ed eccitazione totale. Come dice Benning, "Non era amore, ma era qualcosa..." Era una possibilità di sentirsi glamour, sexy e famosi, tutto nello stesso momento.

Girl Power (1992)

Con la musica dei Bikini Kill (una band tutta femminile di Washington), Girl Power di Sadie Benning è una visione chiassosa di cosa significhi essere una ragazza radicale negli anni '90. Benning racconta la propria ribellione personale contro la scuola, la famiglia e gli stereotipi femminili come una storia di libertà personale, raccontando allo spettatore come si inspirassero a Matt Dillon e saltassero la scuola per avventurarsi da sole. Ispirata dal movimento underground "riot grrrl", questa registrazione trasforma la politica dell'immagine della gioventù femminile, rifiutando la passività tradizionale e il rispetto educato a favore di un'indipendenza radicale e un'identità sessuale autodeterminata.

Con introduzione di Claire Fontaine

Cinema Rouge e Noir

Ore 20:30

Anna

Alberto Grifi, Massimo Sarchielli

1972, 1973, 1974, 1975

225 min

Realizzato nel 1972, presentato per la prima volta nel 1975 e recentemente restaurato dalla Cineteca di Bologna, "ANNA" di Alberto Grifi e Massimo Sarchielli è un sorprendente documentario di quasi quattro ore su una giovane di 16 anni, senza fissa dimora e tossicodipendente, incinta da otto mesi, scoperta dai registi nella Piazza Navona di Roma. Principalmente girato con la nuova tecnologia del video dell'epoca (le quali immagini in bianco e nero hanno una traslucenza spettrale), il documentario racconta le interazioni tra la bellissima adolescente, chiaramente danneggiata, spesso stordita, e i registi, che la accolgono in parte per compassione e in parte perché è un soggetto affascinante per un film. "ANNA" alterna lunghe e spesso imbarazzanti scene domestiche (tra cui un interminabile trattamento antiparassitario sotto la doccia) e altrettanto prolungate discussioni nei caffè della piazza, in cui il caotico dialogo tra hippie, barboni, borghesia e giovani arrabbiati tocca i temi chiave del film: l'obbligo e l'intervento tra registi e soggetti, lo Stato e i suoi cittadini, i membri della società. (Dennis Lim)

26 Novembre 2023

Una serata in collaborazione con Jun Kebab

Proiezione de "Leila wal Zi’ab" di Heiny Srour (Leila e i Lupi) del 1984 e "Les Femmes Palestiniennes" di Jocelyene Saab

EPYC

Via Pignatelli Aragona, 42

17:30

Gli incassi della proiezione saranno devoluti a Medicalaid Palestine e al Palestinian Childrens Relief Fund.

Leila wal Zi’ab, 1984, 90 minuti

Attingendo all'eredità araba della tradizione orale e dei motivi a mosaico, Leila e i Lupi è un'esplorazione della memoria storica collettiva delle donne arabe. Girato in sette anni, e spesso in condizioni pericolose, il film di Srour è un capolavoro cinematografico, che include filmati d'archivio, narrazioni fiabesche, immagini esteticamente audaci e drammatizzazioni delle situazioni affrontate dalle donne in Libano e Palestina, dai primi del Novecento all'inizio degli anni Ottanta. Attraverso gli occhi di Leila, una studentessa libanese insoddisfatta della versione ufficiale, coloniale e maschilista della storia della regione, il film ricostruisce i sacrifici quotidiani, spesso poco gloriosi e silenziosi, delle donne, parte integrante e parallela alle azioni eroiche militari. Le storie raccontate qui sono audaci e talvolta scioccanti.

Les Femmes Palestiniennes, 1974, 16 minuti

Les Femmes Palestiniennes è stato realizzato da Saab nel 1973 per il canale francese Antenne 2. "Volevo mostrare immagini di queste combattenti palestinesi in Siria, che erano molto rare all'epoca. Era proprio prima della visita di Sadat in Israele, e la situazione era molto tesa. Mentre stavo montando il film ad Antenne 2, Paul Nahon, all'epoca capo della corrispondenza estera, mi ha presa per il colletto e mi ha tirata fuori dalla sala di montaggio. Les Femmes Palestiniennes è stato messo da parte e mai trasmesso in televisione.

Un ringraziamento sincero alla Fondazione Cineteca di Bologna, per averci permesso di riprodurre il programma e utilizzare i loro sottotitoli, all'Associazione Jocelyene Saab per il loro supporto e a Bidoun Magazine (Negar Azimi e Tiffany Malakooti) per averci suggerito questo film nel 2020!

A collaboration between TB21A Academy and Nuovo Cinema Arabo on the occasion of the exhibitionThus waves comes in pairs at Ocean Space, Venice curated by Barbara Casavecchia

Ocean space, Venice, 18:00

Thus waves comes in pairs takes its title from the poem "Sea and Fog" by Etel Adnan, and refers to the necessity of thinking of, and thinking with, plurality and exchange. Alongside scultptures by Simone Fattal and a newly commissioned instllation by Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, the exhibitoin features an expanded public programme focused on supporting situated projects, collective pedagogies and alternative voices along the Mediterranean basin, across art, culture, science, conservation, and activism.

In this context Nuovo Orfeo presents Cinema Arabo Vol 2, an evening of films co-curated by Barbara Casavecchia and inspired by Etel Adnan, including Jocelyne Saab's Beirut Never Again (1976) and Lamia Joreige's Sun and Sea (2021)

PROGRAM

Beirut, Never Again, (35’)

With a child’s eyes Saab follows the daily destruction of the city’s walls. Every morning, between 6 and 10am she roams around Beirut while the militia from both sides rest from their night of fighting. A narration written and voiced by Etel Adan accompanies this devastating and extraordinary docu-poem.

Sun & Sea, (17’)

In ‘Sea & Sun’, at Adnan's request, Joreige enters into a hesitant dialogue with the poets first poem, written in 1949. The sound of waves and the golden light refracted on the blue sea present a seeming counterpoint to the intesity of Saab's film, yet Adnan's poem, hints at a hidden conflict between sun and sea. The threat of turmoil is never far away.

Jocelyne Saab (born in Beirut in 1948) was a Franco-Lebanese filmmaker, best known for her documentaries about the Lebanese civil war. She is considered a pioneer of Arab cinema, and built up a monumental body of work comprising 47 films and 6 photographic series. Mainly produced for television, her documentary films were, before her death on January 7, 2019, best known to the Lebanese diaspora who had access to her films broadcast on television during the war.

Lamia Joreige(born in Beirut in 1972) is a visual artist and film-maker who lives and works in Beirut. She uses archival documents and elements of fiction to reflect on history and its possible narration, and on the relationship between individual stories and collective memory. In her practice, rooted in her country’s experience, she explores the possibilities of representing the Lebanese wars and their aftermath. Her work is essentially on time, the recordings of its trace, and its effects on us.

With thanks to Louise Malherbe and Association Jocelyne Saab

Cinema Rouge e Noir
18:30

Un programma di film curato da Hila Peleg ed Erika Balsom, co-curatrici di No Master Territories, Feminist Worldmaking e Moving Image.

Introduzione di Erika Balsom.

Evento in collaborazione con il Goethe-Institut Palermo

Il programma traccia una serie di prospettive audiovisive dei movimenti femministi italiani degli anni '70 attraverso la presentazione di tre cortometraggi: La lotta non è finita (Collettivo Femminista di Cinema Roma, 1973), Rony (Annabella Miscuglio, 1973-76) e Paola (Annabella Miscuglio, 1973-76) – accanto a un estratto da Processo per Stupro (1979), documentario realizzato da un collettivo di sei donne, tra cui la Miscuglio.

Alla proiezione seguirà una breve conversazione tra la curatrice Balsom e la regista Beatrice Gibson, co-fondatrice di Nuova Orfeo

La mostra No Master Territories, Feminist Worldmaking and the Moving Image è stata prodotta da HKW, Berlino.

Evento supportato da Istituto Svizzero e TBA21-Academy

Nuova Orfeo presenta Nuovo Cinema Arabo, un programma di cinema sperimentale e film d'artista incentrato su lavori provenienti dal Medio Oriente e dal Nord Africa per riflettere ed esplorare le connessioni tra Palermo e il mondo arabo. Il primo volume si focalizza sul lavoro di Basma Alsharif e Jumana Manna, entrambe presenti in sala, che dopo la proiezione saranno in conversazione con Barbara Casavecchia.


Basma Alsharif (1983) è un'artista e regista di origini palestinesi di base a Berlino. Lavora tra il Medio Oriente, l'Europa e il Nord America, e il suo lavoro esplora la natura ciclica dei conflitti e della storia politica. Produce film e installazioni che si muovono tra il presente e il passato, tra i luoghi e i non-luoghi, studiando l'eredità del colonialismo e l'esperienza della migrazione con satira, dubbi, e speranza.

Jumana Manna (1987) è un'artista visiva e regista nata a Gerusalemme e con base a Berlino. Il suo lavoro esplora l'articolazione del potere, l'eredità coloniale e la storia dei luoghi in relazione al corpo, alla terra e alla materialità. Attraverso la scultura, il film, e la scrittura, Manna affronta i paradossi della preservazione e delle sue pratiche, soprattutto nei campi dell'archeologia, dell'agricoltura e della giurisprudenza.

Programma


Basma Alsharif, We Began By Measuring Distance, 19', 2009
Intessendo lunghi fermo immagine, testo, lingua, e suono, il film segue un gruppo anonimo di persone che passano il loro tempo a misurare le distanze. Queste misurazioni innocenti diventano via via un discorso politico che esamina come i suoni e le immagini comunicano la storia. We Began by Measuring Distance esplora l'esperienza del disincanto quando il visivo non riesce a spiegare il tragico.


Jumana Manna e Sille Storihle, The Goodness Regime, 21 min HD video, 2013
Un documentario sperimentale sui miti e sulle immagini che hanno veicolato l'idea della Norvegia come paese di pace e benevolenza. Il film segue un gruppo di bambini che mette in scena delle rievocazioni storiche di miti ed eventi che hanno segnato l'identità del paese, montati con spezzoni d'archivio, discorsi politici e voiceover da film hollywoodiani. Una decostruzione in chiave satirica del "regime della bontà" che permea la società norvegese, e che affronta i dilemmi morali di una delle nazioni più ricche al mondo.


Basma Alsharif, The Story of Milk and Honey, 10 min, 2011
Narrato da una voce anonima, il film è il tentativo di scrivere una storia d'amore a Beirut attraverso un delicato intreccio di fatti e di finzione. La storia di una sconfitta si trasforma in un viaggio a più livelli, restituendoci una riflessione su come raccogliamo le informazioni, come percepiamo il reale, come riscriviamo la storia assecondando i nostri desideri.

Jumana Manna, Blessed Blessed Oblivion, 21 min HD Video, 2010
Un ritratto della performance della mascolinità a Gerusalemme Est, per come si manifesta in palestra, nei garage, dal barbiere. Il film trae ispirazione da Scorpio Rising (1963) di Kenneth Anger, e utilizza il collage visivo e la colonna sonora a mo' di commentario ironeggiante. Manna analizza i suoi personaggi ma allo stesso ne viene sedotta, trovandosi infine in una posizione simile a quella del suo protagonista, sospeso tra invettive degradanti e auto-glorificazione.

Una serata con Ana Vaz in collaborazione con Institut Français, Palermo

Terrazza dell'Institut Français
Cantieri Culturali alla Zisa
20.00 - 23.00

Programma

É Noite na América (It is Night in America), 2022, 66'

Ana Vaz descrive il suo film É Noite na América come un racconto eco-horror, liberamente ispirato a Una cosmopolitica degli animali della filosofa brasiliana Juliana Fausto. Filmato a Brasilia, città la cui costruzione ha giustificato violenti ricollocamenti di specie selvatiche e popolazioni indigene, l’ecocritica postcoloniale di É Noite na América fa da eco a una riflessione poetica sulla visione cinematografica: dalla creazione artificiale dell’oscurità tramite la tecnica Day-for-Night - usata per simulare scene notturne girate di giorno - all’utilizzo di pellicola 16mm scaduta, questo racconto immersivo lancia un incantesimo animale tra eco-horror, film sull’ambiente e documentario, sovvertendo i limiti dei generi cinematografici.

Apiyemiyekî, 2019, 27'

Apiyemiyekî, è un cortometraggio che indaga il processo di scavo della memoria collettiva, affrontando i fantasmi del colonialismo attraverso un archivio di oltre 3000 disegni realizzati durante un progetto di alfabetizzazione con il popolo Waimiri-Atroari, nativo dell’Amazzonia brasiliana. I disegni, inizialmente nati come scambio di conoscenze su flora e fauna locali, si trasformano in una rappresentazione della violenza coloniale, diventando una testimonianza grafica del trauma. Vaz li anima cinematograficamente, sovrapponendoli al paesaggio amazzonico, contrapponendo la naturalezza del fiume alla brutalità della strada coloniale, interrogando l'archivio: Apiyemiyekî? significa “Perché?”.

Ana Vaz (1986, Brasile) è un’artista e regista originaria del Midwest brasiliano, abitato dai fantasmi sepolti sotto la sua capitale modernista: Brasília. La sua filmografia mette in discussione e provoca il cinema, inteso come arte dell'(in)visibile e come strumento capace di disumanizzare l’umano, aprendo connessioni con forme di vita altre, non umane o spettrali. Come naturale estensione della sua pratica cinematografica, la sua attività artistica si manifesta anche attraverso la scrittura, la pedagogia critica, le installazioni e le camminate collettive.

I suoi film sono stati presentati in numerosi festival e musei internazionali, tra cui il Locarno Film Festival, Berlinale Forum Expanded, New York Film Festival, CPH:DOX, TIFF Wavelengths, Cinéma du Réel, Tate Modern e Palais de Tokyo, tra molti altri. Recentemente ha avuto mostre personali alla Secession in Vienna, al Jeu de Paume, al Batalha Centro de Cinema Praça da Batalha di Porto e a LUX, Londra. Ha inoltre partecipato a numerose mostre collettive di rilievo, tra cui Penumbra, presso la Fondazione In Between Art and Film. Nel 2025 è artista in residenza presso Villa Medici, Roma.

Le proiezioni saranno seguite da un Q & A con Alessandro Gallicchio.

Alessandro Gallicchio (1986, Italia) è docente di storia dell’arte contemporanea presso l’Université Paris-Sorbonne. I suoi interessi di ricerca si concentrano sull’influenza del nazionalismo e dell’antisemitismo nella costruzione del discorso artistico, nonché sul rapporto tra arte, architettura e spazio urbano nei Balcani e nel Mediterraneo. Nel 2021 ha ricevuto la borsa André Chastel da Villa Medici per un progetto di ricerca intitolato Il Padiglione albanese alla Prima Mostra Triennale delle Terre d’Oltremare di Napoli (1940). Tracce di un dispositivo fascista di “colonialità”. È anche lui fellow di Villa Medici a Roma per l’anno 2025.

I film sono in lingua originale sottotitolati in Italiano.

L'evento è gratuito

We had the experience but missed the meaning. Una serata con Laida Lertxundi in collaborazione con Instituto Cervantes, Palermo.

Cinema Rouge et Noir
18:30 - 21:00

Unendo rigore concettuale e piacere sensoriale in un approccio che lei stessa definisce Landscape Plus, Laida Lertxundi realizza film che instaurano un dialogo tra il paesaggio e il corpo, entrambi intesi come luoghi di esperienza e di piacere. La sua pratica si fonda su una dimensione fortemente collaborativa, con l’obiettivo di decostruire le gerarchie tradizionali del cinema attraverso un libero scambio dei ruoli — sia davanti che dietro la macchina da presa — e l’inclusione di gesti improvvisati, spontanei e collettivi in diversi contesti naturali. Lertxundi esplora il paesaggio non solo come tema iconografico della storia dell’arte, ma anche come insieme di codici culturali, caratteristiche geografiche e relazioni umane, che vanno dai deserti della California alle montagne austere del Paese Basco, sua terra natale.

Le proiezioni saranno seguite da un Q & A tra Laida Lertxundi e Gonzalo De Pedro Amatria

Laida Lertxundi è un’artista che vive e lavora a Parigi. Il suo lavoro è stato esposto in importanti istituzioni e manifestazioni internazionali, tra cui High Line Art, New York (2023), Whitney Biennial, New York (2012), Hammer Museum (2026), Biennale de Lione (2013), Frieze Projects New York (2014), così come in musei e gallerie come il MoMA di New York (2022, 2017), Tate Modern di Londra (2016), Whitechapel Gallery, Londra (2015), ARKO Art Center, Seoul (2022), ICA, Londra (2013), Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia (2015), CCCB, Barcellona (2013, 2017, 2021, 2022), PS1 MoMA (2013) e Kunstverein Hamburg (2014). I suoi film sono stati presentati in numerosi festival internazionali, tra cui il Locarno Film Festival, il New York Film Festival, l’International Film Festival Rotterdam, il London Film Festival, il BFI, il TIFF di Toronto, Gijón, San Sebastián ed Edimburgo, tra gli altri. Lertxundi ha conseguito un MFA presso il California Institute of the Arts e un BFA presso il Bard College. Attualmente è docente presso l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon.

Gonzalo de Pedro Amatria (Pamplona, 1978) è un programmatore cinematografico e docente universitario. È stato professore associato presso l’Università Carlos III di Madrid e ha pubblicato saggi su registi come Hong Sangsoo, Ross McElwee, Jem Cohen e Werner Herzog. La sua esperienza nella programmazione include il ruolo di coordinatore della programmazione del Festival Punto de Vista di Pamplona fino al 2014, oltre alla curatela di rassegne per festival e istituzioni artistiche come la Film Society of Lincoln Center, FIDMarseille e il Museo Reina Sofía, tra gli altri. È stato membro del comitato di selezione del Locarno Film Festival dal 2014 al 2018, e curatore associato per la Filmoteca Española e il Festival Internazionale del Cinema di Valdivia. Dal 2018 al 2021 ha ricoperto il ruolo di direttore artistico della Cineteca Madrid (Matadero Madrid).

Programma

We Had the Experience but Missed the Meaning, 2014, 8 min, 16mm
Autoficción, 2020, 14min, 35mm
Inner outer space, 2021, 16min, 35mm,
In a Nearby Field, 16min, 35mm, color, sound, 2023

Biglietti €4, studenti gratis

Nuova Orfeo è entusiasta di presentare una serata con Laure Prouvost al Cinema Rouge et Noir, l’8 Maggio alle 18:00.

Laure Prouvost è nata a Lille, in Francia (1978) e vive a Bruxelles. Ha ottenuto un BFA dallaCentral St Martins di Londra nel 2002 e un MFA dal Goldsmiths College di Londra. Prouvost ha vinto il MaxMara Art Prize for Women nel 2011 ed il Turner Prize nel 2013. Nel 2019 ha rappresentato la Francia alla Biennale di Venezia.

Leggi di più sull’artista qui.

Conosciuta per le sue installazioni immersive e multimediali che combinano film e installazione in modo umoristico ed allo stesso tempo idiosincratico, il lavoro di Prouvost affronta i problemi di comunicazione e di confusione mentale nell’atto della traduzione fra lingue diverse. È infatti il linguaggio, nel suo senso più ampio, che permea il lavoro video, sonoro, installativo e performativo di Laure Prouvost. Utilizzando il linguaggio come strumento per l'immaginazione, Prouvost confonde la narrazione lineare, le aspettative verbali e le associazioni tra parola, immagine e significato, provocando simultaneamente nello spettatore incomprensione, dubbio e meraviglia, sia intellettuale che sensoriale. Combinando memorie personali esistenti ed immaginate, con riferimenti artistici e letterari, l’artista crea complesse installazioni video che offuscano la distinzione tra finzione e realtà.

Programma:

- "You are the only one", Regno Unito, (2008)

- "Monologue", Regno Unito, (2009)

- "It heat hit", Regno Unito, (2010)

- "Wantee", Regno Unito, (2013)

- "We will go far", Regno Unito, (2015)

- "They Parlaient Ideale", Francia / Italia (2019)

La proiezione sarà seguita da una sessione di domande e risposte in inglese con Stella Sideli e Beatrice Gibson, parte di Nuova Orfeo.

Dove umanamente possibile, questi film sono stati tradotti in italiano!

Biglietti €4

Un programma di film dall'archivio di Marinella Pirelli co-curato da Nuova Orfeo e Lucia Aspesi

Marinella Pirelli (1925–2009, Verona) è una figura cruciale dell’arte italiana del dopoguerra, che ha lasciato un corpus di opere unico, che comprende pittura, disegno, immagini in movimento, ambienti luminosi e cinema sperimentale. Pirelli era direttamente coinvolta nella politica del suo tempo, in particolare nei gruppi femministi, ed ebbe un rapporto particolarmente stretto con la teorica femminista Carla Lonzi e con gli artisti Carla Accardi, Jannis Kounellis, Luciano Fabro e Bruno Munari. Formatasi come pittrice, Pirelli approccia il cinema negli anni ’50, esplorando nuove modalità di rappresentazione della luce tramite l’uso della macchina da presa. I suoi film evocativi si basano sull’equilibrio tra colori e forme astratte che provengono tanto da una meditazione sui fenomeni luminosi quanto da una rifrazione della luce, alternandosi a una riflessione intima sull’essere donna e artista. Come molte cineaste e artiste sperimentali di quegli anni, Marinella Pirelli ha iniziato come amatrice, per emancipare la propria personale visione di artista e per promuovere l’interesse verso le nuove tecnologie. Queste esplorazioni in 16mm sono state chiuse in uno scantinato per oltre quarant’anni ed esposte solo di recente.

Le proiezioni saranno seguite da una conversazione tra le curatrici Lucia Aspesi e Giulia Colletti.

Lucia Aspesi collabora strettamente da oltre un decennio con l’Archivio Marinella Pirelli e ne ha co-curato una retrospettiva insieme a Iolanda Ratti al Museo del Novecento a Milano nel 2019 dal titolo “Luce Movimento. Il cinema sperimentale di Marinella Pirelli”. Aspesi è attualmente curatrice presso Pirelli HangarBicocca, dove ha co-curato le mostre di Trisha Baga, Dineo Seshee Bopape, Chiara Camoni, Sheela Gowda, Thao Nguyen Phan, Daniel Steegmann Mangrané e Nari Ward. Recentemente ha curato la mostra di Tarek Atoui e la retrospettiva di Nan Goldin. Nei suoi progetti indipendenti, ha presentato la personale di Ben Rivers alla Triennale di Milano (2017) e ha co-curato la retrospettiva su Marinella Pirelli al Museo del Novecento (2019). Dal 2020 insegna studi curatoriali alla NABA - Nuova Accademia di Belle Arti. Ha contribuito a numerose pubblicazioni e cataloghi e tiene regolarmente conferenze sulla relazione tra curatela e immagini in movimento.

Giulia Colletti è curatrice e storica dell'arte. È stata curatrice dei contenuti digitali e consulente alle attività collaterali presso il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea dal 2019 al 2025. Dal 2018 al 2021 è stata membro del board curatoriale della 19ª Biennale des Jeunes Créateurs d’Europe et de la Méditerranée. Nel 2019 è stata Visiting Lecturer presso The Glasgow School of Art. Ha tenuto conferenze presso numerose istituzioni e università tra cui la Kingston University di Londra; la Columbia University (CAMS) di New York; La Sapienza di Roma; lo IUAV di Venezia; la NABA di Milano. Ad ABADIR è docente di Storia dell’Arte Moderna e Contemporanea nei corsi di Laurea Triennale e di Curatela e Mediterraneo nel Master di I Livello Mater Matuta. I suoi testi sono apparsi, tra gli altri, su CURA, Flash Art, OnCurating.

Programma:

Narciso, film esperienza (10’, 1966-67)

Bruciare (4’, 1971)

Appropriazione, a propria azione, azione propria – Sole in mano (6’, 1973)

Lago, Soggettivo-Oggettivo (14’, 1965)

______

Ore 19.00, Ai vini d'oro, P.za Francesco Nascè, 11, Palermo

Ingresso gratuito

Una serata di cinema e poesia che ruota intorno all'opera di Patrizia Vicinelli, con letture di Allison Grimaldi Donahue, Tiziana La Melia and Murmur

A cura di Nuova Orfeo e Lisa Andreani

Patrizia Vicinelli è stata una poetessa prolifica e una figura chiave dell'avanguardia italiana. La sua produzione poetica - dalla poesia sonora e concreta ai poemi epici - è stata in gran parte pubblicata su riviste e in forma di multipli ed edizioni. Ha collaborato con numerosi artisti e scrittori della neoavanguardia, da Emilio Villa e Aldo Braibanti al Gruppo 63, e ha lavorato a stretto contatto con figure centrali del cinema sperimentale italiano, sia davanti che dietro la macchina da presa, realizzando film in 16 mm con Alberto Grifi, Gianni Castagnoli e Mario Gianni.

L'evento esplora la produzione cinematografica della Vicinelli - in particolare attraverso il suo rapporto con Alberto Grifi - in conversazione con la nuova generazione di poetesse italiane: Allison Grimaldi Donahue, (Bologna / U.S.A.) Tiziana La Melia (Palermo / Vancouver) e Murmur (Catania / Milano). Il programma prevede la proiezione di 'In viaggio con Patrizia' (1965) di Alberto Grifi, un diario d'amore composto da lunghe pause scritto con e per Patrizia (la sua compagna per tutti gli anni Sessanta) e 'Errore di gruppo' (1973) di Karma Film (Mario Gianni, Elio Rumma, Patrizia Vicinelli) che vede la Vicinelli nel ruolo di protagonista che vaga misteriosamente per la città di Lourdes, insieme a letture e performance di Grimaldi Donahue, La Melia e Murmur.

Il progetto è realizzato in collaborazione con l'Associazione Culturale Alberto Grifi e sostenuto da “Lazio Contemporaneo 2022” promosso dalla Regione.

Con introduzione di Claire Fontaine

Cinema Rouge e Noir

Ore 20:30

Anna

Alberto Grifi, Massimo Sarchielli

1972, 1973, 1974, 1975

225 min

Realizzato nel 1972, presentato per la prima volta nel 1975 e recentemente restaurato dalla Cineteca di Bologna, "ANNA" di Alberto Grifi e Massimo Sarchielli è un sorprendente documentario di quasi quattro ore su una giovane di 16 anni, senza fissa dimora e tossicodipendente, incinta da otto mesi, scoperta dai registi nella Piazza Navona di Roma. Principalmente girato con la nuova tecnologia del video dell'epoca (le quali immagini in bianco e nero hanno una traslucenza spettrale), il documentario racconta le interazioni tra la bellissima adolescente, chiaramente danneggiata, spesso stordita, e i registi, che la accolgono in parte per compassione e in parte perché è un soggetto affascinante per un film. "ANNA" alterna lunghe e spesso imbarazzanti scene domestiche (tra cui un interminabile trattamento antiparassitario sotto la doccia) e altrettanto prolungate discussioni nei caffè della piazza, in cui il caotico dialogo tra hippie, barboni, borghesia e giovani arrabbiati tocca i temi chiave del film: l'obbligo e l'intervento tra registi e soggetti, lo Stato e i suoi cittadini, i membri della società. (Dennis Lim)

Cinema Rouge e Noir
18:30

Un programma di film curato da Hila Peleg ed Erika Balsom, co-curatrici di No Master Territories, Feminist Worldmaking e Moving Image.

Introduzione di Erika Balsom.

Evento in collaborazione con il Goethe-Institut Palermo

Il programma traccia una serie di prospettive audiovisive dei movimenti femministi italiani degli anni '70 attraverso la presentazione di tre cortometraggi: La lotta non è finita (Collettivo Femminista di Cinema Roma, 1973), Rony (Annabella Miscuglio, 1973-76) e Paola (Annabella Miscuglio, 1973-76) – accanto a un estratto da Processo per Stupro (1979), documentario realizzato da un collettivo di sei donne, tra cui la Miscuglio.

Alla proiezione seguirà una breve conversazione tra la curatrice Balsom e la regista Beatrice Gibson, co-fondatrice di Nuova Orfeo

La mostra No Master Territories, Feminist Worldmaking and the Moving Image è stata prodotta da HKW, Berlino.

Una serata in collaborazione con Claire Fontaine e Jun Kebab, dedicata alle vittime del genocidio perpetuato dal governo Israeliano. Con rinfresco a cura di Jun Kebab, Al Quds, Studio Terra e vini Planeta.

La proiezione sarà seguita da una conversazione tra il regista Kamal Aljafari, Beatrice Gibson e Claire Fontaine.

Studio Claire Fontaine - 17:00 fino a tardi.

Tutti i proventi della proiezione saranno destinati a Medicalaid Palestine e Lebanese Red Cross.

Saranno disponibili copie in vinile dell'album AID for Gaza di Hardcore Unlimted Records (Torino) e copie appena stampate di The Gaza Reader Vol 1. Poetry a cura di Artists Against Apartheid, Bidoun, WAWOG e Kamel Lazaar Foundation.

Si ringrazia profondamente Rosalind Nashishibi, Kamal Aljafari, Federico Chiari, Diego Marcon, Negar Azimi, Tiffany Malakooti.

Proiezioni
Dahiet Al Bareed, District of the Post Office (2002, 7')
Hreash House (2004, 20')
Gaza elettrica (2015, 17')
di Rosalind Nashishibi

Dahiet Al Bareed, District of the Post Office (2002, 7’), Hreash House (2004, 20') e Electrical Gaza (2015, 17') sono tre film realizzati negli ultimi vent'anni dall’artista britannico-palestinese Rosalind Nashishibi.

Dahiet Al Bareed, District of the Post Office si svolge in un sobborgo di Gaza costruito originariamente per l’Ufficio Postale Palestinese ma finito per diventare terra di nessuno tra Ramallah e Gerusalemme Est. Una partita di calcio, della spazzatura che brucia e consuete attività del barbiere – Sweet Love Saloon for Men – convivono davanti allo sguardo della telecamera. L’adhan, la chiamata alla preghiera, risuona in un paesaggio di degrado e decadenza.

Il secondo film Hreash House è stato girato all’interno di una casa di Nazareth, e ritrae una giornata nella vita di una numerosa famiglia palestinese che prepara un banchetto per il Ramadan.

Electrical Gaza è stato girato nei mesi precedenti all’operazione Israeliana 'Protective Edge’ che ha bombardato la striscia di Gaza tra Luglio e Agosto 2014. Gaza viene raffigurata come un luogo mitologico: isolata, sospesa nel tempo, difficile da accedere e avvolta da un’intensità palpabile. Ne emerge un’immagine della vita a Gaza, in cui una comunità continua ad operare nonostante le avversità inimmaginabili.

A Fidai Film (2024, 78')
di Kamal Aljafari

Composto da frammenti d'archivio, A Fidai Film ricostruisce la memoria visiva della Palestina, recuperando le immagini saccheggiate dal Palestine Research Centre di Beirut nel 1982. Durante l'invasione del Libano da parte di Israele nel 1982, le Forze di Difesa Israeliane saccheggiarono l'archivio del Centro di Ricerca Palestinese, portando con sé migliaia di documenti. Questi includevano immagini fisse e in movimento, che costituivano parte integrante della memoria visiva della Palestina. Il materiale rubato è stato poi utilizzato da Israele per creare una narrazione volta a rafforzare l'occupazione. Come apertamente indicato dal titolo (Fidai si riferisce alla figura del combattente per la libertà), A FIDAI FILM è un atto di resistenza che si riappropria di quelle immagini nel tentativo di rianimare la storia della Palestina che sta scomparendo. Attraverso il riutilizzo di immagini di archivio in un nuovo contesto, Aljafari amplifica la nostra percezione sulla storia dell’occupazione attraverso l’elemento temporale: il materiale girato decenni prima assomiglia tristemente alle immagini quotidiane contemporanee trasmesse da Gaza. Riportando le immagini al loro significato originale e togliendo le parole, Aljafari rivela l'intimidatorio lavoro di propaganda che va di pari passo con l'occupazione militare.

Il regista sarà presente in sala.

Rosalind Nashashibi è una regista e pittrice britannico-palestinese. Ha studiato pittura alla Sheffield Hallam University prima di completare un Master of Fine Art alla Glasgow School of Art nel 2000. Vive e lavora a Londra. Il suo lavoro in immagini in movimento, realizzato con pellicole da 16 mm, esplora le risposte inconsce e interiori a momenti ed eventi, spesso affrontando la politica che circonda le relazioni comunitarie e le nozioni di famiglia allargata. Nel 2017, Nashashibi è stata selezionata per il Turner Prize. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui “Documenta 14” (2017), “Sharjah 'Biennial 10” (2011), “Manifesta 7” (2008) e ha rappresentato la Scozia alla Biennale di Venezia del 2007. Nashishibi è stata la prima donna a vincere il premio Beck's Futures nel 2003. Tra le mostre personali più recenti si ricordano quelle alla Secessione di Vienna, all'Art Institute di Chicago e al Witte de With Center for Contemporary Art di Rotterdam.

Kamal Aljafari è un regista palestinese. Ha insegnato regia alla New School di New York e alla Deutsche Film und Fernsehakademie di Berlino. I suoi contributi al settore sono stati riconosciuti con borse di studio presso il Film Study Center - Radcliffe Institute dell'Università di Harvard e, più recentemente, presso l'Institute for Ideas and Imagination della Columbia University, Parigi 2024-2025. Nel maggio 2024, IndieLisboa ha dedicato una retrospettiva al suo lavoro. Nel 2022 è stato ospite d'onore del Sicilia Queer filmfest, a Palermo. Il suo film A Fidai Film ha vinto il Gran Premio della Giuria a Visions du Réel 2024 e attualmente viene presentato in festival di tutto il mondo, tra cui TIFF, London Film Festival e Viennale. Attualmente sta sviluppando un film di finzione che sarà girato a Jaffa.

26 Novembre 2023

Una serata in collaborazione con Jun Kebab

Proiezione de "Leila wal Zi’ab" di Heiny Srour (Leila e i Lupi) del 1984 e "Les Femmes Palestiniennes" di Jocelyene Saab

EPYC

Via Pignatelli Aragona, 42

17:30

Gli incassi della proiezione saranno devoluti a Medicalaid Palestine e al Palestinian Childrens Relief Fund.

Leila wal Zi’ab, 1984, 90 minuti

Attingendo all'eredità araba della tradizione orale e dei motivi a mosaico, Leila e i Lupi è un'esplorazione della memoria storica collettiva delle donne arabe. Girato in sette anni, e spesso in condizioni pericolose, il film di Srour è un capolavoro cinematografico, che include filmati d'archivio, narrazioni fiabesche, immagini esteticamente audaci e drammatizzazioni delle situazioni affrontate dalle donne in Libano e Palestina, dai primi del Novecento all'inizio degli anni Ottanta. Attraverso gli occhi di Leila, una studentessa libanese insoddisfatta della versione ufficiale, coloniale e maschilista della storia della regione, il film ricostruisce i sacrifici quotidiani, spesso poco gloriosi e silenziosi, delle donne, parte integrante e parallela alle azioni eroiche militari. Le storie raccontate qui sono audaci e talvolta scioccanti.

Les Femmes Palestiniennes, 1974, 16 minuti

Les Femmes Palestiniennes è stato realizzato da Saab nel 1973 per il canale francese Antenne 2. "Volevo mostrare immagini di queste combattenti palestinesi in Siria, che erano molto rare all'epoca. Era proprio prima della visita di Sadat in Israele, e la situazione era molto tesa. Mentre stavo montando il film ad Antenne 2, Paul Nahon, all'epoca capo della corrispondenza estera, mi ha presa per il colletto e mi ha tirata fuori dalla sala di montaggio. Les Femmes Palestiniennes è stato messo da parte e mai trasmesso in televisione.

Un ringraziamento sincero alla Fondazione Cineteca di Bologna, per averci permesso di riprodurre il programma e utilizzare i loro sottotitoli, all'Associazione Jocelyene Saab per il loro supporto e a Bidoun Magazine (Negar Azimi e Tiffany Malakooti) per averci suggerito questo film nel 2020!

A collaboration between TB21A Academy and Nuovo Cinema Arabo on the occasion of the exhibitionThus waves comes in pairs at Ocean Space, Venice curated by Barbara Casavecchia

Ocean space, Venice, 18:00

Thus waves comes in pairs takes its title from the poem "Sea and Fog" by Etel Adnan, and refers to the necessity of thinking of, and thinking with, plurality and exchange. Alongside scultptures by Simone Fattal and a newly commissioned instllation by Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, the exhibitoin features an expanded public programme focused on supporting situated projects, collective pedagogies and alternative voices along the Mediterranean basin, across art, culture, science, conservation, and activism.

In this context Nuovo Orfeo presents Cinema Arabo Vol 2, an evening of films co-curated by Barbara Casavecchia and inspired by Etel Adnan, including Jocelyne Saab's Beirut Never Again (1976) and Lamia Joreige's Sun and Sea (2021)

PROGRAM

Beirut, Never Again, (35’)

With a child’s eyes Saab follows the daily destruction of the city’s walls. Every morning, between 6 and 10am she roams around Beirut while the militia from both sides rest from their night of fighting. A narration written and voiced by Etel Adan accompanies this devastating and extraordinary docu-poem.

Sun & Sea, (17’)

In ‘Sea & Sun’, at Adnan's request, Joreige enters into a hesitant dialogue with the poets first poem, written in 1949. The sound of waves and the golden light refracted on the blue sea present a seeming counterpoint to the intesity of Saab's film, yet Adnan's poem, hints at a hidden conflict between sun and sea. The threat of turmoil is never far away.

Jocelyne Saab (born in Beirut in 1948) was a Franco-Lebanese filmmaker, best known for her documentaries about the Lebanese civil war. She is considered a pioneer of Arab cinema, and built up a monumental body of work comprising 47 films and 6 photographic series. Mainly produced for television, her documentary films were, before her death on January 7, 2019, best known to the Lebanese diaspora who had access to her films broadcast on television during the war.

Lamia Joreige(born in Beirut in 1972) is a visual artist and film-maker who lives and works in Beirut. She uses archival documents and elements of fiction to reflect on history and its possible narration, and on the relationship between individual stories and collective memory. In her practice, rooted in her country’s experience, she explores the possibilities of representing the Lebanese wars and their aftermath. Her work is essentially on time, the recordings of its trace, and its effects on us.

With thanks to Louise Malherbe and Association Jocelyne Saab

Evento supportato da Istituto Svizzero e TBA21-Academy

Nuova Orfeo presenta Nuovo Cinema Arabo, un programma di cinema sperimentale e film d'artista incentrato su lavori provenienti dal Medio Oriente e dal Nord Africa per riflettere ed esplorare le connessioni tra Palermo e il mondo arabo. Il primo volume si focalizza sul lavoro di Basma Alsharif e Jumana Manna, entrambe presenti in sala, che dopo la proiezione saranno in conversazione con Barbara Casavecchia.


Basma Alsharif (1983) è un'artista e regista di origini palestinesi di base a Berlino. Lavora tra il Medio Oriente, l'Europa e il Nord America, e il suo lavoro esplora la natura ciclica dei conflitti e della storia politica. Produce film e installazioni che si muovono tra il presente e il passato, tra i luoghi e i non-luoghi, studiando l'eredità del colonialismo e l'esperienza della migrazione con satira, dubbi, e speranza.

Jumana Manna (1987) è un'artista visiva e regista nata a Gerusalemme e con base a Berlino. Il suo lavoro esplora l'articolazione del potere, l'eredità coloniale e la storia dei luoghi in relazione al corpo, alla terra e alla materialità. Attraverso la scultura, il film, e la scrittura, Manna affronta i paradossi della preservazione e delle sue pratiche, soprattutto nei campi dell'archeologia, dell'agricoltura e della giurisprudenza.

Programma


Basma Alsharif, We Began By Measuring Distance, 19', 2009
Intessendo lunghi fermo immagine, testo, lingua, e suono, il film segue un gruppo anonimo di persone che passano il loro tempo a misurare le distanze. Queste misurazioni innocenti diventano via via un discorso politico che esamina come i suoni e le immagini comunicano la storia. We Began by Measuring Distance esplora l'esperienza del disincanto quando il visivo non riesce a spiegare il tragico.


Jumana Manna e Sille Storihle, The Goodness Regime, 21 min HD video, 2013
Un documentario sperimentale sui miti e sulle immagini che hanno veicolato l'idea della Norvegia come paese di pace e benevolenza. Il film segue un gruppo di bambini che mette in scena delle rievocazioni storiche di miti ed eventi che hanno segnato l'identità del paese, montati con spezzoni d'archivio, discorsi politici e voiceover da film hollywoodiani. Una decostruzione in chiave satirica del "regime della bontà" che permea la società norvegese, e che affronta i dilemmi morali di una delle nazioni più ricche al mondo.


Basma Alsharif, The Story of Milk and Honey, 10 min, 2011
Narrato da una voce anonima, il film è il tentativo di scrivere una storia d'amore a Beirut attraverso un delicato intreccio di fatti e di finzione. La storia di una sconfitta si trasforma in un viaggio a più livelli, restituendoci una riflessione su come raccogliamo le informazioni, come percepiamo il reale, come riscriviamo la storia assecondando i nostri desideri.

Jumana Manna, Blessed Blessed Oblivion, 21 min HD Video, 2010
Un ritratto della performance della mascolinità a Gerusalemme Est, per come si manifesta in palestra, nei garage, dal barbiere. Il film trae ispirazione da Scorpio Rising (1963) di Kenneth Anger, e utilizza il collage visivo e la colonna sonora a mo' di commentario ironeggiante. Manna analizza i suoi personaggi ma allo stesso ne viene sedotta, trovandosi infine in una posizione simile a quella del suo protagonista, sospeso tra invettive degradanti e auto-glorificazione.

Nuova Orfeo e Sicilia Queer presentano:

The Human Surge (2016) Dir. Edoardo Williams

+ The Canyon (2021) Dir. Zachary Epcar
Cinema De Seta

Palermo, Sicily

In collaborazione con Sicilia Queer, Nuova Orfeo presenta due film sulla giovinezza, sull’alienazione e sul sublime.

The Canyon di Epcar attraversa il quartiere residenziale di una città per scivolare finalmente nell’oblio. L’architettura squadrata e il verde ordinato di un condominio di lusso lasciano gradualmente il posto a un’architettura onirica, in cui la rappresentazione è affidata sequenze di cornici precise, gesti di repertorio e frasi pre-programmate, alla deriva dell'entropia.

Vincitore del Pardo d'Oro a Locarno, il primo lungometraggio di Eduardo Williams come regista The Human Surge è un'esplorazione affascinante, sinuosa e queer dei millennial, della tecnologia e della natura disorientante e litigiosa del presente. I percorsi di quattro svogliati protagonisti interconnessi – sempre a corto di soldi e inseparabilmente attaccati ai loro laptop e telefoni – si intrecciano attraverso continenti e paesaggi attraverso corpi, chat room e formiche.

La proiezione sarà seguita da una conversazione in persona tra Eduardo Williams, Dennis Lim, directtore del New York Film Festival e regista e artista Beatrice Gibson

La proiezione inizia alle 18.30

Cinema De Seta
Cantieri Culturali
18:30

Nuova Orfeo è lieta di presentare una proiezione che celebra il lavoro dell'artista, attivista e regista femminista di culto Barbara Hammer, scomparsa nel 2019.

Pioniera del cinema queer sperimentale, Hammer ha prodotto oltre 90 film e installazioni durante i suoi 50 anni di carriera. Questa proiezione si concentra sui primi lavori, sia in super 8 che in 16mm e video, i cui soggetti ruotavano spesso intorno alla sua vita personale: affrontando temi quali relazioni interrotte, mestruazioni e invecchiamento ed esplorando liricamente la sessualità, il piacere femminile e il corpo in modi formalmente radicali e innovativi.

Introdotto da Beatrice Gibson

Settembre 2021


Arena La Sirenetta, Via Azalea, Mondello

Palermo, Sicily

Una stagione di cinema e film d'artista femminista alla storica arena La Sirenetta.

In programma classici cult come Wanda di Barbara Loden e Atlantiques di Mati Diop, vincitore del Premio della Giuria 2019 a Cannes e prima opera di una donna di colore a partecipare al concorso. Presentiamo inoltre una serata con l'artista Pauline Curnier Jardin, la prima italiana di Dear Barbara, Bette, Nina di Gibson e una collaborazione curatoriale con i collettivi Nomadica e ৺ ෴ ර ∇ ❃﹌﹌ su cinema, femminismo e meridione.

Programmato da Beatrice Gibson. Coordinato da Stella Sideli.

Orfeo on the Beach è sostenuto da Società italo-belga, Institut français Palermo e Sinergie Group

Written and directed by Barbara Loden, Wanda (1970) is a milestone of American independent filmmaking that has seen little distribution since its release. The film stars Loden in the titular role of Wanda Goronski, a woman who leaves her children and abusive husband to embark on a series of unfortunate encounters, ending up as an accomplice to a robber and petty criminal. Shot unflinchingly on 16mm in Pennsylvania coal country, and inspired by a news report of a woman who thanked a judge for sending her to prison, this sometimes brutal and often harrowing portrait was described by its director as 'semi-autobiographical'. A film about women, actresses, landscapes, what drives us to change and what keeps us in place.

Wanda is accompanied by Dear Barbara Bette and Nina (2010), a 16mm short by Beatrice Gibson. Dear Barbara, Bette, Nina, (2021) was commissioned as part of a project by Punto de Vista Film Festival in which several filmmakers were asked by curators Garbiñe Ortega and Matías Piñeiro to film a letter to a filmmaker they admired. For Las Cartas Que no Fueron Tambien Son – The Letters that weren’t and also are - Gibson wrote a love letter to three filmmakers – Barbara Loden, Nina Menkes & Bette Gordon, women whose voices and characters have influenced her deeply in the last few years.

৺ ෴ ර ∇ ❃﹌﹌ is a feminist collective dedicated to feminism and the southern question, consisting of Claudia Gangemi, Sonia D'alto, Sofia Melluso, Naomi Morelloand Susanna Gonzo.

Programma della serata:

- Follia come Poesia (Dir. Le Nemesiache, 1977)

- Il piacere del testo (Dir. Adriana Monti, 1977)

- Serie di brevi ritratti in Super 8 delle collaboratrici al collettivo di cinema femminista di Roma: Maitreya, Rony, Paola, Anna’s Textures (Dir. Annabella Miscuglio del Collettivo di cinema Femminista di Roma, 1973-1976)

- Narciso, film esperienza (Dir. Marinella Pirelli, 1966-67)

- Medusa and the Abyss (Dir. Felicity Palma, 2019)

Widely hailed as a feminist masterpiece, Queen of Diamonds stars sister Tinka Menkes (a regular presence in her films) as a disaffected Las Vegas blackjack dealer whose life unfolds in a series of often-surreal encounters framed by the bleak desert landscape and glittering lights of the strip.

Deep Sleep draws from historical avant-garde cinema to produce a poetic, sound-based meditation following brainwave-generating binaural beats. The dreamlike video is filmed among abandoned ruins in Malta, Athens, and Gaza, connecting the three locations in an attempt to convey the experience of being in Gaza from these monumental sites. Colorful flickering lights, sun, earth, stone, rock, sky, and water inundate the scenes, and the rhythmic sounds of waves, chimes, and footsteps remain. Restricted from visiting Gaza for a period, Alsharif practiced self-hypnosis in an attempt to locate herself in several places at once and filmed this work while in a trance state. Appearing in the video as her own double, dressed in all-white, she walks through unidentifiable ruins, holding a recording device. Here, Gaza is called upon, reinvented through the lens of the artist’s personal relationship to Palestine.

Bette Gordon’s Variety, (1983)scripted by the late Kathy Acker, follows Christine a bright and unassuming young woman, who gets a job selling tickets at a porn cinema, in downtown NY. Emerging from the underground NYC arts scene, Variety is a snapshot of the NY scene at the time, includes cameos from Cookie Mueller and Nan Goldin, and is utterly ground breaking in its treatment of female voyeurism and desire.

Silvia Tarozzi suona Thirteen Changes di Pauline Oliveros + proiezione del film I Hope I’m Loud When I’m Dead di Beatrice Gibson

Nuova Orfeo presenta un concerto di musica sperimentale della compositrice, violinista e improvvisatrice italiana Silvia Tarozzi, che eseguirà Thirteen Changes di Pauline Oliveros insieme ad altre sue composizioni per voce e violino. Il concerto sarà accompagnato dalla proiezione del film I Hope I’m Loud When I’m Dead (2018) dell’artista e filmmaker Beatrice Gibson.

L’opera ritrae un’epoca di sconvolgimenti politici attraverso le parole de* poetə CAConrad ed Eileen Myles e le musiche di Pauline Oliveros, esplorando la forza del rito e affidando al poeta il ruolo di profeta per immaginare futuri alternativi.

Silvia Tarozzi è una violinista, compositrice e improvvisatrice. La trasmissione orale della musica e la forma che nasce da una profonda immersione nel suono sono tratti distintivi della sua ricerca musicale e trovano espressione in numerose collaborazioni con compositrici e compositori come Éliane Radigue, Pauline Oliveros, Pascale Criton, Cassandra Miller, Martin Arnold, Pierre-Yves Macé e Philip Corner. I suoi progetti sono pubblicati da I dischi di Angelica, Unseen Worlds, New World Records e Potlatch. I suoi concerti sono stati registrati e trasmessi da BBC Radio e France Musique. Si esibisce regolarmente in festival e sale da concerto in Europa, Nord America, Canada e Messico.

Beatrice Gibson è una filmmaker franco-inglese che vive e lavora tra Londra e Palermo. I suoi film sono conosciuti per la loro natura sperimentale ed emotiva. Esplorando il personale e il politico e attingendo a figure di culto della letteratura e della poesia sperimentale – da Kathy Acker a Gertrude Stein – i film sono spesso popolati da amici e comunità allargata, incorporando processi co-creativi e collaborativi. I suoi lavori sono stati selezionati in festival tra cui Cannes, Toronto, Londra, New York e Oberhausen. Ha vinto due volte il premio per il miglior cortometraggio al Festival internazionale del cinema di Rotterdam nel 2009 e nel 2013. È stata nominata due volte per il Jarman Award for Artist’s Film nel 2013 e nel 2019. Nel ha vinto il Baloise Art Prize di Art Basel nel 2015 e il premio Marian McMahon Akimbo per l’autobiografia nel 2019. Di recente ha avuto mostre personali al Camden Art Centre di Londra (2019), alla Bergen Kunsthall (2019), al Mercer Union di Toronto (2019) e al KW Institute for Contemporary Art di Berlino (2018).

L’evento è co-curato da Michal Libera.

Via Antonio Gagini, 31, Palermo

20.00–22.00

Biglietti 8€ all’ingresso

Concerto di musica sperimentale di Shakeeb Abu Hamdan + proiezione di The Blackest Sea e The Third Body di Peggy Ahwesh

Officine Bellotti, Teatro - Via Gagini 31, Palermo

20:00 - 22:00

Shakeeb Abu Hamdan è un musicista e artista visivo libanese/britannico con base a Parigi. Le sue performance sono caratterizzate da un setup non convenzionale che prevede l'uso della batteria amplificata attraverso microfoni, manipolazioni, megafoni modificati e altri dispositivi elettronici. Le sue performance si sviluppano secondo strutture libere che lasciano spazio all’improvvisazione in risposta alle instabilità della manipolazione del feedback e ad altre interazioni insite nel suo sistema strumentale.

Tra le sue mostre recenti: Beirut Art Centre e Cité Internationale des Arts (Parigi); residenze presso EMS (Stoccolma) e Les Instants Chavirés; pubblicazioni discografiche con le etichette Takuroku (Cafe OTO) e Tsss Tapes.

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Peggy Ahwesh

The Blackest Sea (2016, 9:30 min)

The Third Body (2007, 8:40 min)

In The Blackest Sea, il mare diventa protagonista assoluto: forza primordiale, flusso infinito e metafora delle grandi emergenze del nostro tempo. L'artista si serve ancora una volta di found footage, attraverso immagini di clip dell'emittente giornalistica taiwanese TomoNews, per affrontare temi come la crisi climatica, la fragilità degli oceani e le rotte migratorie, raccontando il mare come luogo di speranza e tragedia, con la colonna sonora Passacaglia, for Organ and Strings, K. 11 di Ellis B. Kohs.

The Third Body è un film d’appropriazione che intreccia l’arrivo di Adamo ed Eva in un Eden esotico con immagini di realtà virtuale: mani digitali, robot chirurgici e corpi immersi in mondi simulati. In questo spazio ibrido, il cyberspazio si configura come una terza via alla leggenda della Genesi, mettendo in discussione le nozioni tradizionali di genere, corpo e moralità. Scrive Ahwesh: “Le metafore del nostro futuro tecnologico sono rievocazioni della memoria culturale del giardino.” Colonna sonora di Morton Feldman.

Peggy Ahwesh è una regista e artista sperimentale statunitense tra le figure più influenti del cinema d’avanguardia contemporaneo. Nata nel 1954 a Canonsburg, Pennsylvania, si è formata all’Antioch College (Ohio), dove ha conseguito il B.F.A. in Belle Arti. Nel corso della sua carriera, ha avuto importanti retrospettive presso istituzioni come il Whitney Museum of American Art (Girls Beware!, 1997), il Filmmuseum di Bruxelles, l’Anthology Film Archives di New York, il Yerba Buena Center for the Arts di San Francisco (Peggy’s Playhouse) e il Carpenter Center for the Visual Arts dell’Università di Harvard. I suoi film sono stati presentati in prestigiosi contesti internazionali come il Whitney Biennial (1991, 1995, 2002), il New York Film Festival (1998, 2007), il Flaherty Film Seminar (2003), il Centre Pompidou (2002, 2004) e il Berwick Film & Media Arts Festival (2017), oltre a numerosi festival a Berlino, Londra, Il Cairo, Toronto, Rotterdam e Créteil. Tra i suoi lavori più noti: Certain Women (2004, codiretto con Bobby Abate), film d’apertura del New York Underground Film Festival e selezionato al Rotterdam International Film Festival; Martina’s Playhouse, The Deadman (con Keith Sanborn), Strange Weather e Nocturne – tutti parte della collezione permanente del Museum of Modern Art di New York. Ha ricevuto riconoscimenti e borse di studio da istituzioni come la Jerome Foundation, la Guggenheim Foundation, il Premio Alpert per le Arti, il New York State Council on the Arts e Art Matters. Attualmente insegna Cinema e Arte Elettronica presso il Bard College di New York.

Biglietti 6€ all'ingresso, studenti gratis.

Grazie Electronic Arts Intermix!

Una performance dell'ultimo minuto con Elvin Brandhi

Seguita da proiezioni di video work di Elvin Brandhi + un DJ set di A Colder Consciouness

17:30 - 21:00
Via Gangini, 59

Elvin Brandhi è una poetessa, sound-artist e producer originaria di Bridgend in Galles. Brandhi ha studiato pittura e disegno all’Accademia di Belle Arti di Vienna. La sua produzione sonora si sviluppa su basi distorte e ritmi esplosivi e aberranti che fungono da piattaforma instabile su cui canta e performa i propri flussi di coscienza. Furioso profondo o non-sense, il suo spoken word auto-tune, impasta field recordings, nastri, vinili, strumenti e voce. Dal 2013 ha suonato e collaborato con molti improvvisatori tra cui Rhodri Davies, Eugene Chadbourne, Michael Fischer, Gustav Thomas, Greta Buitiké, THF Drenching, Alan Wilkinson, Ventil, WIDT, l'ex Jungle Brothers MC Sensational, Tony Allen, Pat Thomas e con il collettivo ugandese Nyege Nyege. Ad ogni tappa del suo percorso nomadico collabora con artisti locali. Ha partecipato a festival internazionali tra cui CTM (Berlin), Borealis (Bergen), Donaufestival (Krems,) Kraak Festival (Bruxelles), Umlaut festival (Paris,) Total Inertia (Leeds), TUSK (Newcastle), Sonic Acts (Amsterdam), Counterflows (Glasgow). Tra le collaborazioni stabili c’è il duo noise pop low-fi Yeah You con il padre Gustav Thomas, il duo interdisciplinare BAHK con Daniel Blumberg, il duo INSIN con Bashar Suleiman, e Bad@Maths. Ha realizzato l’EP in solo Shelf Life (C.A.N.V.A.S), e gli LP Villaelvin (Hakuna Kulala) e Elvin Brandhi (Krai). Nel 2017 le è stato assegnato il premio PRS Oram Award per musiciste innovatrici, con una commissione produttiva al BBC Radiophonic Workshop. Ha inoltre fatto parte di SHAPE platform 2020 e nel 2024 ha fatto una residenza di tre giorni a Cafe Oto, Londra.

Event in collaboration con Civico Museo Castelbuono + Sicilia Queer

Terrazza dell’Institut Français,
Cantieri Culturali
20:00

Durante la fine degli anni duemila, Crystabel Riley è andata in tour in Giappone ed Europa con batteria, strumenti elettronici e trucco, nel trio noise Maria and the Mirrors. Questo è stato l'inizio del suo interesse per i pattern sulla pelle - umana e della batteria. Questo interesse per i pattern dimensionali che esistono su (e fuori) diverse superfici è continuato ad evolversi attraverso l'esplorazione dell'idea di 'cura e non cura' della pelle, di sé, degli altri e del mondo, in tutte le pratiche di Crystabel come Artista (Truccatrice, Batterista). Crystabel collabora da lungo tempo con Sue Lynch e con la London Improvisers Orchestra. Attualmente sta lavorando al progetto duo multi-formato @xcrswx con Seymour Wright. Di recente ha suonato al LCMF (London Contemorary Music Festival).

Seymour Wright è un sassofonista. Il suo lavoro riguarda la frizione creativa e situata dell'apprendimento, delle idee, delle persone e del sassofono - musica, storia e tecnica - reale e potenziale. La musica solista di Seymour è documentata da tre raccolte ampiamente acclamate - Seymour Wright of Derby (2008), Seymour Writes Back (2015) e Is This Right? (2017). I progetti attuali includono: @xcrswx con Crystabel Riley; abaria con Ute Kanngiesser; [Ahmed] con Antonin Gerbal, Joel Grip e Pat Thomas; GUO con Daniel Blumberg; XT con Paul Abbott; The Creaking Breeze Ensemble; un duetto transatlantico con Andy Guthrie e, con Jean-luc Guionnet, un progetto che affronta una lacuna immaginaria nell'Atlas Mnemosyne di Aby Warburg.

Flora Pitrolo è un'accademica e DJ. La sua ricerca indaga la performance sperimentale e le culture musicali degli anni '80, con particolare attenzione all'Italia. Il suo ultimo libro, Taroni-Cividin, documenta la performance, i video e la produzione cinematografica ampliata del duo d'avanguardia dal 1977 al 1984. È attiva come DJ in più scene di musica sperimentale

Mario Adamo è un Dj ed esploratore sonoro il cui lavoro abbraccia la musica ambient con radici post punk. Con un approccio fai-da-te basato principalmente su improvvisazione, campionamento e looping sparso, il tentativo è quello di immergersi nell'ignoto attraverso suoni digitali atmosferici, manipolazioni audio e registrazioni sul campo, ponendo il possibile terreno per l'apparizione del musical. Gli ultimi lavori di Mario includono collaborazioni audiovisive con Landescape 2015, Ortigia Sound System Festival, Wesh Studio e Maat Festival.

@xcrswx ha creato la colonna sonora per Dreaming Alcestis, film co-diretto da Beatrice Gibson e Nick Gordon, co-scritto da Maria Nadotti. Dreaming Alcestis era Commissionato dal Museo Civico di Castelbuono e l’Hayward Gallery Touring del Southbank Centre per il British Art Show 9 è realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (X Edizione 2021), Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Il film è prodotto da Okta Film, con il supporto di ICONOCLAST e Somesuch.

La mostra Dreaming Alcestis, a cura di Laura Barreca è in corso presso il Museo Civico di Castelbuono fino al 10 Settembre 2023.

Evento promosso dal Museo Civico di Castelbuono in collaborazione con Sicilia Queer filmfest, a cura di Nuova Orfeo. Realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (X Edizione 2021) della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Nuova Orfeo presenta il primo di una serie di workshop di cinema in 16mm. Condotto dagli artisti e filmmaker Nicola Baratto e Nick Gordon, il workshop si svolge nell’ambito del decimo anniversario del collettivo Landescape ad Alcamo, in collaborazione con Kultur Ensemble, presso cui Nicola Baratto è attualmente in residenza insieme a Magdalena Mitterhofer. Il workshop è rivolto alle/agli artist* in residenza a Posto Segreto, Alcamo. 

Civico Museo Castelbuono
14:00-17:00
Età 7-12

Un evento in collaborazione con il Civico Museo Castelbuono

Un laboratorio per bambini ideato da Obie e Laizer Gordon.

Negli ambienti del Museo Civico di Castelbuono sarà allestito un vero e proprio set per la realizzazione di un film horror in 16mm in cui i partecipanti al laboratorio saranno coinvolti come cast e troupe. "Realizzeremo maschere spaventose ed effetti speciali utilizzando vernici UV e torce. Creeremo l'inferno all'interno della mostra. Poi filmeremo ciò che abbiamo creato. Ci sarà una festa"

Con il supporto degli artisti Adriano La Licata e Cristina Giarnecchia

Evento promosso dal Museo Civico di Castelbuono, in occasione della mostra Dreaming Alcestis in corso al Museo Civico di Castelbuono fino al 10 settembre 2023. Realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (X Edizione 2021) della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Il 29 Novembre abbiamo presentato il primo numero di Orfeo Books, un nuovo progetto editoriale di Nuova Orfeo che accompagna la programmazione di eventi, esplorando il rapporto tra cinema sperimentale, musica e carta stampata.

‘In Viaggio con Patrizia’ è dedicato all'opera di Patrizia Vicinelli, poetessa prolifica e figura chiave dell'avanguardia italiana. Il titolo si rifà all’omonimo film del 1964 di Alberto Grifi, un diario d'amore realizzato con e per Patrizia - sua compagna negli anni '60. La pubblicazione include vari materiali d’archivio gentilmente concessi dall’Associazione Culturale Alberto Grifi in collaborazione con Lisa Andreani: appunti, disegni, dattiloscritti, lettere private e documenti inediti che mettono in luce il rapporto tra testo e voce nella produzione poetica di Vicinelli.

In Viaggio con Patrizia presenta frammenti dell'opera di Patrizia in dialogo con materiali di una nuova generazione di poetesse contemporanee tra cui Allison Grimaldi Donahue, Tiziana La Melia e Murmur.

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Orfeo Books edizione n.1 In Viaggio con Patrizia è pubblicato in collaborazione con Associazione Culturale Alberto Grifi e stampato a Palermo da Nuova Orfeo, in occasione di In Viaggio con Patrizia, un evento co-curato con Lisa Andreani, parte del progetto ALBERTO GRIFI: CORPO COLLETTIVO.

Credits / Crediti

Texts by / Testi di Patrizia Vicinelli, Allison Grimaldi Donahue, Tiziana La Melia, Murmur

Archive materials / Materiali d’archivio Associazione Culturale Alberto Grifi Lisa Andreani

A cura di / Edited by Beatrice Gibson, Beatrice Zerbato (Nuova Orfeo)

Graphic Design Nicolò Pellarin

Logo HIT Studio, Berlin

Almanacco Murmur è una raccolta di poesie ed esperienze scritte da 56 poeti e poetesse che hanno preso parte alle letture e ai workshop dei primi due anni di lavoro di Murmur, un collettivo di poesia contemporanea nato a Milano nel 2022 con l’idea di riprendere l’arte poetica partendo dall’incontro.

Murmur vi invita a partecipare a questa lettura collettiva Venerdì 5 Settembre alle ore 17.00 a Palazzo Butera.

Introduce il libro Claudio Gulli (direttore del Palazzo Butera) insieme a Maria Luce Cacciaguerra (autrice e curatrice del libro). Evento in collaborazione con Nuova Orfeo.

Pubblicato da Paint It Black.

Nuova Orfeo è una piattaforma indipendente dedicata al cinema e alla musica sperimentale con base a Palermo, Sicilia.

Con un'attenzione particolare alla promozione di pratiche artistiche sperimentali al di fuori di un mondo dell'arte sempre più gentrificato, Nuova Orfeo si sviluppa attraverso una programmazione di cinema e musica sperimentale con un'impronta femminista. La programmazione è inoltre sensibile al proprio contesto geografico e identitario, dal quale trae ispirazione, spaziando da riletture storiche dei femminismi italiani degli anni '70 e '80, a esplorazioni della cultura audiovisiva contemporanea nordafricana e araba.

Nuova Orfeo prende il nome dall’ultimo cinema porno di Palermo, come simbolo della rinascita della vita culturale della città, questa volta in chiave femminista, polifonica e radicalmente inclusiva: ribaltando l’idea di porno per concentrarsi su opere realizzate da e su donne, persone non binarie, trans e queer, migranti e persone razzializzate. Da oggetto a soggetto, da feticcio ad agente, da osservato a osservatore. Il nostro obiettivo principale, a livello locale, è quello di creare micro-momenti sociali, per noi stesse e per la nostra comunità, che ci uniscano attraverso un’esperienza creativa condivisa, nutrendo e mettendo in primo piano la relazionalità e la connessione umana, creando spazio per l’apprezzamento di un’espressione artistica autentica.

Nuova Orfeo è stata fondata nel 2021 dall’artista e filmmaker Beatrice Gibson insieme a Flora Pitrolo e Pietro Airoldi. È stata prodotta da Stella Sideli. Attualmente è gestita da Beatrice Gibson con Beatrice Zerbato. Gli eventi musicali sono curati con l’aiuto di Michel Libera e Mario Adamo.

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